"Encuadre natural" Una ayuda a la composición. Fotografía: "El Portalico" (Calle Empedrado, Altura. Castelló)

Marcel Duchamp, gran pintor e impulsor del movimiento pop en el arte, opinaba que "no son los pintores sino los espectadores los que hacen los cuadros" pues, y esto lo añado yo, sin la interpretación última del espectador, cualquier obra de arte, incluso la Fotografía, carece de sentido.
Al espectador hay que ayudarle a interpretar la imagen, esto forma parte del proceso creativo si se pretende transmitir un mensaje, una idea o una sensación concreta, hay que, en cierto modo, dirigir su atención, guiar a sus ojos hacia donde queremos hacerle llegar, y para esto en una obra artística no se puede dejar nada al azar, todo elemento encuadrado en a imagen debe tener, no sólo un sentido coherente, sino una situación dentro del espacio que conforma esa obra y en la mayoría de las ocasiones, es necesario enfatizar ese elemento fundamental para hacerlo mas inteligible.

La atención del observador, en el caso de la Fotografía, se puede dirigir por medio de varias técnicas, que pueden ser concurrentes en una misma imagen, no muy diferentes de las empleadas en la Pintura. La mas habitual es por medio del enfoque y con éste con el control de la profundidad de Campo o PDC, ésta determina la "franja"  de la imagen que podemos contemplar con nitidez por delante y detrás del sujeto enfocado, así pues, desenfocando, o lo que es lo mismo, dejando borroso el fondo conseguimos dirigir la mirada hacia el sujeto protagonista que es el que se podrá contemplar con nitidez y detalle, este es e método mas usual para conseguir centrar la atención en lo importante, aunque como veremos a continuación, no el único.

Otro método para guiar al ojo del espectador sería por medio de la iluminación,  mediante el cual, iluminando ciertas partes de la escena y dejando menos iluminadas, incluso en penumbra o total oscuridad otras, damos énfasis a lo que consideramos mas importante dentro de la composición, esto se puede conseguir a través de la iluminación y la exposición, incluso podemos potenciarlo posteriormente en un revelado por zonas.

Desde el punto de vista compositivo, un método menos usual para conseguir concentrar la atención en lo que queremos enfatizar como elemento mas importante de la imagen sería lo que se ha dado en llamar "Encuadre natural" y que generalmente en combinación con los métodos que hemos descrito antes, permite una manera mas plástica de señalar lo fundamental de nuestra fotografía. Aprovechando el marco que nos puede brindar alguno de los elementos "secundarios" de la imagen, tales como portales, árboles, ventanas, oquedades naturales en las rocas, arcos u ojos de puentes,m etc. podemos encuadrar a través de estos al sujeto principal, guiando la mirada del espectador hacia él, dándole así protagonismo.

Si además iluminamos menos o incluso subexponemos el área de estos "marcos naturales" podemos intensificar este efecto. Incluso se puede utilizar a personas que situándolas de forma que miran hacia el punto de interés de nuestra foto guían la mirada del espectador pues todos hemos comprobado en alguna ocasión como si un grupo de personas mira en una dirección determinada, todos los que los contemplan acaban mirando también en esa misma dirección.

Cualquiera de estos métodos pueden ser validos para componer correctamente nuestra imagen y conseguir el efecto deseado en el observador pues, al final es la complicidad con el espectador la que nos lleva a una buena fotografía ya que una fotografía, al final, se construye entre el fotógrafo y el espectador que la interpreta.

En el ejemplo que propongo se puede ver claramente por un lado como he encuadrado con un arco (encuadre natural) lo importante a mi juicio de la imagen, la calle y el transeúnte y además como subexponiendo ese arco le he dado aun mas énfasis a la zona que quería reforzar..

"Al final del camino" (Tétrico, oscuro) BTK 3.0 Ed.2014 . Procesado protagonista.

El gran Ansel Adams dejó dicho que "hay dos personas en una fotografía, el fotógrafo y el espectador", es la complicidad de ambos la que puede conseguir o no esa fotografía que pueda llegar a conmover.

En ocasiones, no es tan importante la técnica como la sensación que puede transmitir  una imagen, aspectos, por lo general importantes, como el enfoque, , la nitidez, la ausencia de "ruido electrónico" e incluso la exposición, se pueden sacrificar en aras de la imagen que buscamos.
Yo que me considero uno de esos fotógrafos para los que lo importante es la imagen final sin otorgar excesiva importancia a la técnica o los medios empleados para llegar a ella, siempre he valorado sobretodo la estética y las sensaciones que transmite una fotografía, su mensaje implícito sin considerar los aspectos teóricos o técnicos que además pueda atesorar.

Del mismo modo que puedo contemplar una escultura admirando su belleza plástica y artística sin reparar en ningún momento en las herramientas o procedimientos que ha podido utilizar el artista para llevarla a cabo, que importancia puede tener para mi la calidad del cincel o si el escultor era zurdo o diestro, si al final lo importante es que ha conseguido conmoverme la belleza de su obra o el mensaje que ésta encierra, así puedo contemplar una fotografía en la que no es necesariamente imprescindible plantearse que elementos consideró el artista para llegar a la imagen que nos presenta.

No quiero decir con esto que la técnica no sea importante, la Fotografía es un arte en el que para su desarrollo se emplean herramientas de extremada precisión, en las que es fundamental conocer y dominar a fondo la técnica, pues solamente dominando ésta podemos llegar a realizar buenas fotografías, que estas buenas fotografías  puedan llegar a convertirse en, además, grandes fotografías es algo que trasciende al mero dominio de esta técnica, en donde entra en escena la sensibilidad del fotógrafo.

En esta ocasión el tema, propuesto por mi mismo como ganador de la anterior semana, es "Tétrico, oscuro" con el que esperaba imagenes opresivas, inquietantes.
Mi defensa del tema, a la que he titulado "Al final del camino", buscaba producir una sensación opresiva como de amenaza inconcreta que envuelve al espectador y creo que he podido acercarme al resultado que pretendía con el procesado duro que le he dado.
 La Fotografía se expuso desde cierta distancia para contextualizar el edificio y añadir por delante esa especie de "claro de luna", se trataba, precisamente de lograr un entorno que produjera cierta sensación de  amenaza.

Tras el revelado básico en A.C.R. ( temperatura de color, exposición, luz de relleno, negros, corrección de lente, ruido, niveles...) ya en Ps oscurecí las sombras y los medios tonos con niveles y tras aplicarle varias capas de ajuste rellenas con diferentes colores y distintas opacidades, apliqué un filtro de desenfoque, subí el contraste para darle cierto dramatismo, apliqué un filtro cálido R-81 al 33% para dotar a la imagen de una sensación de virado cálido y por último, una viñeta muy extensa para por un lado centrar la atención sobre la fachada y el claro y por otro lado para dar mas oscuridad a toda la composición.

Creo que el resultado se parece bastante a lo que andaba buscando, una imagen inquietante y sobre todo oscura y tétrica a la vez...

"Máquina, del tiempo?" Fotografía basada en el encuadre . BTK 3.0 Ed. 2013 "Mäquinas"

En Fotografía, como en cualquier tipo de arte visual, el concepto concreto casi nunca es obvio, siempre se presta a la interpretación, no sólo del fotógrafo que construye la imagen, sino también del espectador que la contempla.
El fotógrafo tiene que decidir, y ese es el primer paso en la creación de una imagen fotográfica, como afrontar la representación de la idea o concepto que quiere transmitir y es en ese mismo momento, incluso antes de apretar el disparador de la  cámara, cuando  se comienza a marcar la diferencia entre el autor y el resto de fotógrafos, la idea y como afrontar su realización es una parte muy importante de la fotografía, si no la fundamental, pues al final, en mi opinión, lo mas importante es el mensaje, lo que se pretende transmitir pues la fotografía es un gran vehículo de expresión artística.

El fotógrafo puede concentrarse en el detalle o bien componer su imagen incluyendo un contexto amplio en el que situar al sujeto protagonista de la imagen, las posibilidades son infinitas, esa es la gran fuerza de la fotografía como medio de expresión.

La Fotografía que podéis ver a continuación puede servir como ejemplo de todo esto, no es una fotografía excepcional, pero ilustra muy bien lo que trato de explicar.

El compañero 1100D (un fotógrafo de la nitidez y la claridad) nos propuso como tema semanal "Máquinas", y esta es mi propuesta para esta semana, mi interpretación personal del reto propuesto por Pepe 1100D.

En este caso, tras intentar fotografiar la prensa de una Almazara de aceite de oliva y desestimarlo por las enormes dificultades para iluminar bien la maquinaria que se encontraba en un entorno bastante oscuro, me decidí por componer mi imagen con esta trilladora de principios del siglo pasado que se encuentra, a modo de adorno, en un polígono industrial cerca de mi casa, en la Villa de Altura (CS).

Aunque el concepto de máquina pueda ser muy amplio e incluso ambiguo, una máquina puede tener casi cualquier forma y tamaño, la imagen típica que la mayoría tenemos de una máquina como concepto es la de un aparato, mas o menos complejo, compuesto de un soporte o bastidor y partes moviles metálicas, bielas, rodamientos, cintas de transmisión, manguitos , tubos...y esta trilladora "Ajuria Vitoria" de principios el siglo pasado, en mi opinión, reunía todos los requisitos para formar parte de esa imagen representativa del concepto "Maquina" como tal y a partir de aquí, la elección del encuadre para crear la composición que potenciara esa imagen ha sido fundamental para construir mi fotografía de esta semana.

Podía haber escogido un encuadre amplio en el que contextualizar mi máquina,pero pensé que centrarme en una composición cerrada podría ayudarme a resaltar esas piezas que conforman de alguna manera la máquina en cuestión, tras escoger el tipo de encuadre y medir la exposición con un ISO mas elevado de lo que aconstumbro a utilizar por la escasa luz que había en ese lugar, el siguiente paso y lo que creo que le ha dado mas personalidad a la imagen ha sido el revelado y mas bien, el procesado en Ps.

Tras el revelado básico en ACR (Recuperación de blancos, contraste, niveles...) ya en Ps me incliné por un procesado estilo retro para acentuar la sensación de antigúedad de la máquina y el contraste entre la madera del bastidor y el metal de las piezas moviles, un procesado complejo que lleva unos 10 pasos. Después de esto le apliqué una serie de filtros y máscaras para darle cierto toque lomo que acentuara aun mas el contraste de las vetas de la madera y le diera esos tonos de color tan originales y este es el resultado, una fotografía sobre una máquina que intenta por medio del procesado pero sobre todo por medio de la elección del encuadre acercarse a la imagen que podemos tener sobre el concepto general de MAQUINA.

Si alguien quiere conocer en profundidad como se ha procesado en mi correo mancastillocollado@gmail.com   estaré encantado de responder a cualquier duda o curiosidad.

un saludo.

Retrato al aire libre, Procesados variados.

La figura humana, especialmente la femenina, junto a la naturaleza, el paisaje, es uno de los temas mas recurrentes de la fotografía a lo largo de la historia, y por tanto, todo fotógrafo, independiente de la experiencia o los conocimientos que posea, dedica su atención en algún momento a la fotografía de retrato, bien sea formal o informal. El retrato como cualquier otra forma de fotografía posee además de una gran fuerza visual infinitas posibilidades.

Lejos quedaron los días en los que los extraordinariamente largos tiempos de exposición obligaban, literalmente, al fotógrafo a realizar retratos formales demasiado estáticos, con el paso del tiempo y los avances en la Fotografía, sobre todo en estos últimos años con la Fotografía digital, el retrato ha pasado del simple encuadre frío y estático a un modelo muy versátil de expresión artística para el fotógrafo, informal, de ambiente, surrealista...el retrato ha dejado de estar encasillado y restringido a la pose de salón.

En esta entrada propongo una serie de imagenes fruto de la sesión que realicé con una amiga que se prestó de modelo para componer unos retratos informales en un escenario peculiar, las vías el tren y las ruinas de lo que fue un Batán. Esta serie, tiene como única continuidad el tema pues la técnica de revelado y procesado es muy diferente entre tomas, para mi, una oportunidad de practicar diferentes visiones de procesar unas imagenes en principio sencillas.

Es en gran medida el postprocesado lo que otorga cierto carácter peculiar a estas imagenes en las que he intentado, no se muy bien si lo he conseguido,conseguir unas imagenes de mucha intensidad en las que el entorno compartiera protagonismo con la modelo. La captura, fácil en un día ligeramente nublado en el que las sombras en principio no iban a robar protagonismo a la imagen, la he reducido a una exposición basada en una medición limitada a la zona mas iluminada (a excepción de las luces puras) y sobreexpuesta entre un paso y medio y dos pasos según tomas, para después en ACR recuperar blancos muy subidos mientras aseguraba detalle en las sombras.

Los postprocesados en Ps varían entre fotografías, cada imagen está "revelada" con unos parámetros diferentes para conseguir efectos distintos y van desde la sencillez de un desaturado parcial y la aplicación de un filtro cálido de la primera fotografía, hasta los casi treinta pasos de la toma que hicimos "bajo techo" en el Batán. revelados complejos que en mi opinión ofrecen buenos resultados.

En esta otra imagen ha intentado conseguir un efecto a caballo entre
la Fotografía "Lomo" (en sus tonalidades) y un efecto dramático con
la iluminación selectiva para acercarme a una imagen con cierto aire retro.




En el momento de la captura se "abrió un poco el cielo" y las nubes dejaron pasar por unos instantes unos rayos de luz que inciden sobre la chica destacándola ligeramente del fondo.


                                                                                            
  




















  Estas dos fotografías tienen un procesado mucho mas complejo, hasta treinta pasos entre ACR y Ps.
Primero un revelado básico en ACR, temperatura de color, recuperación de blancos, negros, intensidad, saturación, corrección de lente, ruido y a través del pincel corrector, subexposición del fondo y sobreexposición de la modelo. Mas tarde en Ps, para dar mas énfasis a la nubosidad del cielo en la toma, multiplicación a través de un mascara de ese cielo, y algunos pasos con niveles, desaturación parcial y selectiva de colores...

En esta otra imagen se puede advertir un procesado un poco mas duro, un contraste mas intenso, un desaturado parcial y sobre todo el filtro cálido para intentar crear una atmósfera diferente.

Por último, una escena en la que mi intención era que compartieran protagonismo tanto la modelo como el escenario en el que se encuentra puesto que me parecía un lugar con unas texturas muy interesantes que podrían potenciar la imagen y darle fuerza.

En esta última imagen me gustaría destacar la corrección selectiva de la iluminación (por medio del pincel corrector subexponiendo el fondo ligeramente y sobreexponiendo a la modelo) para destacar a la modelo sobre el fondo sin perder totalmente la importancia éste para dar fuerza a la composición.

Con esta serie he querido experimentar sobre el retrato femenino y probar, en condiciones similares de iluminación, las diferentes opciones que posee el fotógrafo a la hora de revelar y procesar las imagenes para conseguir fotografías diferentes y originales.
Espero que os haya gustado esta entrada, el próximo post...en unos días...
Saludos.

man_castillo

mancastillocollado@gmil.com

                                                                     

Multiple exposición (en una sola toma) "Devil inside"

Ansel Adams, uno de los mas grandes fotógrafos de la historia, dijo en una ocasión que ”No tomas una fotografía. La haces.", este concepto, en mi opinión, es uno de los pilares en los que se apoya la Fotografía artística (la que no representa cumpleaños o fiestas de fin de curso, y a veces esta también), la capacidad del fotógrafo para salir de la realidad y construir una realidad alternativa o diferente, realizar la fotografía y no sólo disparar la cámara.

Una de las técnicas que mas libertad creativa nos ofrecen a la hora de realizar nuestras fotografías es la de la múltiple exposición, tanto en una toma como en varias. Uno de los primeros fotógrafos en utilizar esta técnica fue Man Ray a comienzos del siglo pasado consiguiendo impactantes imagenes surrealistas de una gran fuerza estética.

Esta técnica se puede acometer desde dos variantes, una de ellas heredera de la técnica de la doble exposición de la era analógica de la fotografía que, en las antiguas cámaras de película de 35mm se realizaba disparando varias veces sobre la misma parte de película (liberando el carrete que se rebobinaba después de un primer disparo para volver a  exponer la película previamente disparada ya) con lo que se conseguían imagenes superpuestas, en ocasiones solapadas en transparencias, que modificaban completamente la imagen original. es esta una técnica en la que con apenas luz ambiente y una exposición muy larga (entre 8 y 30 segundos como media, a veces mas) y unos disparos a mano de un flash o una linterna, congelamos  varios momentos diferentes en la misma fotografía, creando así interesantes efectos transparentes.

En esta ocasión, el tema semanal para el taller BTK que nos planteaba l compañero kainpower era, precisamente, doble exposición en una sola toma y mi propuesta, una imagen tenebrosa que, titulada "Devil inside (Lo que oculta mi mirada)" , pudiera transmitir, o al menos es lo que me proponía, cierto desasosiego.

Para crear esta imagen, preparé la cámara en un trípode (esto es fundamental en esta técnica) y con muy poca luz ambiente, me decidía por una apertura muy cerrada  f/13 puesto que la velocidad debía ser muy lenta, 8 segundos y ante esta velocidad por poca luz ambiente que se tenga, se obtienen fotos muy iluminadas (que es precisamente lo contrario que yo pretendía).  el resto de los datos de captura son ISO 100 y una focal de 49 mm (de un Canon 18-55mm).

El modelo soy yo mismo (no encontré voluntarios para posar de esta guisa) y me situé frente a la cámara poniendo mi mirada mas fiera, en la coronilla llevaba recogido un pasamontañas de lycra que lleva impresa una calavera y que tras contar 4 segundos me bajé de un tirón para seguir posando otros 4 segundos mas.

Básicamente este es el procedimiento para conseguir la doble exposición, tras esto hay un revelado y procesado en Ps para dar un aire mas tenebroso a la imagen, con un desaturado parcial, niveles, una textura para el fondo, un par de filtros de desenfoque y un filtro cálido al 33%. Este es el resultado:

Aunque no es una composición perfecta desde el punto de vista de la exposición múltiple, se puede apreciar como se superponen dos imagenes en una con cierto grado de transparencia, como se puede observar, la técnica de la múltiple exposición ofrece posibilidades creativas  increíbles.

Esta técnica, casi artesanal pese a usar nuestros sofisticados equipos digitales, recrea en cierto modo, esa  simplicidad de la fotografía química aunque, como en esta, no nos permite tener un control total sobre nuestra toma.
Naturalmente en la actualidad, en lo que podríamos llamar ya no la era digital de la fotografía, sino casi podríamos decir, la era del Photoshop, hay otra técnica alternativa para lograr resultados similares (incluso mejores) pero con mucha mas facilidad y, lo que es mas importante, con absoluto control de nuestra fotografía, es la técnica de la exposición múltiple en varias tomas (montadas posteriormente con Ps u otros programas de retoque y procesado similares), tema del que nos ocuparemos en el próximo post.

Espero que os haya interesado esta explicación, hasta pronto, un saludo.

man_castillo