Sesión Jacqueline Moda (danza & moda)

Siempre se ha dicho que el Hombre, mejor, el Ser Humano, es la medida de todas las cosas...esta afirmación es especialmente importante en el Arte y por supuesto, en la Fotografía...

La fotografía, como vehículo de expresión artística, gracias a los avances tecnológicos, ha perdido los últimos límites, ha dejado de ser un "arte menor", un mero "notario" de la realidad para convertirse en Arte simplemente, y por tanto hay tantas miradas como artistas o Fotógrafos y una variedad ilimitada de temas que representar a través de nuestras composiciones...

Pero lo cierto es que, sin menospreciar ninguna representación fotográfica, son las imagenes que nos muestran seres humanos, cuyos protagonistas son las personas, las que nos terminan por conmover...

Por regla general no suelo hacer este tipo de fotografías, pero aquí se pueden ver algunas de las imagenes de la sesión en la Escuela de Danza de Inma Muñoz para Jacqueline Moda...lo cierto es que resultó una experiencia muy divertida e interesante...

Se me pidió que en las fotos reflejara, en cierto modo, una especie de fusión entre moda y danza. Las modelos eran bailarinas y de alguna manera eso se nota en la forma de posar...

El lugar, la Escuela de Danza de Inma Muñoz, se prestaba a múltiples posibilidades, gran cantidad de luz natural, un espacio muy amplio...pero sobretodo, la colaboración de las chicas...

Decidí "dejar" la famosa barra de la sala de baile de la Escuela por sus connotaciones, me pareció que ayudaba a crear la atmósfera relacionada, en cierto modo, con la danza...



Las fotos tienen diferentes procesados en función, sobretodo, de la importancia del color en las características de la prenda en cuestión...



En fin, una experiencia para repetir sin duda, algo diferente a lo que suelo hacer y que ofrece, además de muchas posibilidades, muchas satisfacciones...

Como decíamos al principio de esta entrada. el Ser Humano es la medida de todas las cosas...

Calvario en tonos cálidos. Procesado deaturado y tintado cálido..

Generalmente la foto está en la cabeza del fotógrafo antes de oprimir el disparador de su cámara, incluso antes de mirar a través del visor...a veces, en un simple vistazo, no sólo se tiene la foto, si no que se tiene incuso la idea de como revelarla, de como procesarla...

Alfred Eisenstaedt, gran fotógrafo, famoso entre otras cosas por su fotografía de un marinero besando a una enfermera en Times square durante la celebración de la victoria norteamericana sobre Japón en la segunda Guerra mundial,  dejó dicho que "Lo más importante no es la cámara, sino el ojo." y ese ojo, el ojo del Fotógrafo,  es quien, no sólo compondrá la imagen sino que acabará transformando la realidad, sus colores, tonos y perspectiva para transmitir un punto de vista, un mensaje subjetivo, una manera de entender esa realidad totalmente peculiar...

Cuando me encontré con este Calvario, o lo que queda de él, desde ese punto de vista, desde ese ángulo, tuve claro desde el principio que quería encuadrar de esa manera y que quería representarlo, finalmente, en tonos cálidos y al mismo tiempo oscuros...como de bronce y este es el resultado.

Revelado básico en Camera Raw y después desaturado parcial, máscara de transparencia para que el efecto desaturado sea menos intenso en el cielo.
Siete capas de diferentes rellenos de color en tonos cálidos y de diferente opacidad, y un par de capas de ajuste de curvas y niveles. Una capa de relleno degradado de tono ocre. Ajuste de brillo y contraste final y este es el resultado...

"Encuadre natural" Una ayuda a la composición. Fotografía: "El Portalico" (Calle Empedrado, Altura. Castelló)

Marcel Duchamp, gran pintor e impulsor del movimiento pop en el arte, opinaba que "no son los pintores sino los espectadores los que hacen los cuadros" pues, y esto lo añado yo, sin la interpretación última del espectador, cualquier obra de arte, incluso la Fotografía, carece de sentido.
Al espectador hay que ayudarle a interpretar la imagen, esto forma parte del proceso creativo si se pretende transmitir un mensaje, una idea o una sensación concreta, hay que, en cierto modo, dirigir su atención, guiar a sus ojos hacia donde queremos hacerle llegar, y para esto en una obra artística no se puede dejar nada al azar, todo elemento encuadrado en a imagen debe tener, no sólo un sentido coherente, sino una situación dentro del espacio que conforma esa obra y en la mayoría de las ocasiones, es necesario enfatizar ese elemento fundamental para hacerlo mas inteligible.

La atención del observador, en el caso de la Fotografía, se puede dirigir por medio de varias técnicas, que pueden ser concurrentes en una misma imagen, no muy diferentes de las empleadas en la Pintura. La mas habitual es por medio del enfoque y con éste con el control de la profundidad de Campo o PDC, ésta determina la "franja"  de la imagen que podemos contemplar con nitidez por delante y detrás del sujeto enfocado, así pues, desenfocando, o lo que es lo mismo, dejando borroso el fondo conseguimos dirigir la mirada hacia el sujeto protagonista que es el que se podrá contemplar con nitidez y detalle, este es e método mas usual para conseguir centrar la atención en lo importante, aunque como veremos a continuación, no el único.

Otro método para guiar al ojo del espectador sería por medio de la iluminación,  mediante el cual, iluminando ciertas partes de la escena y dejando menos iluminadas, incluso en penumbra o total oscuridad otras, damos énfasis a lo que consideramos mas importante dentro de la composición, esto se puede conseguir a través de la iluminación y la exposición, incluso podemos potenciarlo posteriormente en un revelado por zonas.

Desde el punto de vista compositivo, un método menos usual para conseguir concentrar la atención en lo que queremos enfatizar como elemento mas importante de la imagen sería lo que se ha dado en llamar "Encuadre natural" y que generalmente en combinación con los métodos que hemos descrito antes, permite una manera mas plástica de señalar lo fundamental de nuestra fotografía. Aprovechando el marco que nos puede brindar alguno de los elementos "secundarios" de la imagen, tales como portales, árboles, ventanas, oquedades naturales en las rocas, arcos u ojos de puentes,m etc. podemos encuadrar a través de estos al sujeto principal, guiando la mirada del espectador hacia él, dándole así protagonismo.

Si además iluminamos menos o incluso subexponemos el área de estos "marcos naturales" podemos intensificar este efecto. Incluso se puede utilizar a personas que situándolas de forma que miran hacia el punto de interés de nuestra foto guían la mirada del espectador pues todos hemos comprobado en alguna ocasión como si un grupo de personas mira en una dirección determinada, todos los que los contemplan acaban mirando también en esa misma dirección.

Cualquiera de estos métodos pueden ser validos para componer correctamente nuestra imagen y conseguir el efecto deseado en el observador pues, al final es la complicidad con el espectador la que nos lleva a una buena fotografía ya que una fotografía, al final, se construye entre el fotógrafo y el espectador que la interpreta.

En el ejemplo que propongo se puede ver claramente por un lado como he encuadrado con un arco (encuadre natural) lo importante a mi juicio de la imagen, la calle y el transeúnte y además como subexponiendo ese arco le he dado aun mas énfasis a la zona que quería reforzar..

"Al final del camino" (Tétrico, oscuro) BTK 3.0 Ed.2014 . Procesado protagonista.

El gran Ansel Adams dejó dicho que "hay dos personas en una fotografía, el fotógrafo y el espectador", es la complicidad de ambos la que puede conseguir o no esa fotografía que pueda llegar a conmover.

En ocasiones, no es tan importante la técnica como la sensación que puede transmitir  una imagen, aspectos, por lo general importantes, como el enfoque, , la nitidez, la ausencia de "ruido electrónico" e incluso la exposición, se pueden sacrificar en aras de la imagen que buscamos.
Yo que me considero uno de esos fotógrafos para los que lo importante es la imagen final sin otorgar excesiva importancia a la técnica o los medios empleados para llegar a ella, siempre he valorado sobretodo la estética y las sensaciones que transmite una fotografía, su mensaje implícito sin considerar los aspectos teóricos o técnicos que además pueda atesorar.

Del mismo modo que puedo contemplar una escultura admirando su belleza plástica y artística sin reparar en ningún momento en las herramientas o procedimientos que ha podido utilizar el artista para llevarla a cabo, que importancia puede tener para mi la calidad del cincel o si el escultor era zurdo o diestro, si al final lo importante es que ha conseguido conmoverme la belleza de su obra o el mensaje que ésta encierra, así puedo contemplar una fotografía en la que no es necesariamente imprescindible plantearse que elementos consideró el artista para llegar a la imagen que nos presenta.

No quiero decir con esto que la técnica no sea importante, la Fotografía es un arte en el que para su desarrollo se emplean herramientas de extremada precisión, en las que es fundamental conocer y dominar a fondo la técnica, pues solamente dominando ésta podemos llegar a realizar buenas fotografías, que estas buenas fotografías  puedan llegar a convertirse en, además, grandes fotografías es algo que trasciende al mero dominio de esta técnica, en donde entra en escena la sensibilidad del fotógrafo.

En esta ocasión el tema, propuesto por mi mismo como ganador de la anterior semana, es "Tétrico, oscuro" con el que esperaba imagenes opresivas, inquietantes.
Mi defensa del tema, a la que he titulado "Al final del camino", buscaba producir una sensación opresiva como de amenaza inconcreta que envuelve al espectador y creo que he podido acercarme al resultado que pretendía con el procesado duro que le he dado.
 La Fotografía se expuso desde cierta distancia para contextualizar el edificio y añadir por delante esa especie de "claro de luna", se trataba, precisamente de lograr un entorno que produjera cierta sensación de  amenaza.

Tras el revelado básico en A.C.R. ( temperatura de color, exposición, luz de relleno, negros, corrección de lente, ruido, niveles...) ya en Ps oscurecí las sombras y los medios tonos con niveles y tras aplicarle varias capas de ajuste rellenas con diferentes colores y distintas opacidades, apliqué un filtro de desenfoque, subí el contraste para darle cierto dramatismo, apliqué un filtro cálido R-81 al 33% para dotar a la imagen de una sensación de virado cálido y por último, una viñeta muy extensa para por un lado centrar la atención sobre la fachada y el claro y por otro lado para dar mas oscuridad a toda la composición.

Creo que el resultado se parece bastante a lo que andaba buscando, una imagen inquietante y sobre todo oscura y tétrica a la vez...

Retrato al aire libre, Procesados variados.

La figura humana, especialmente la femenina, junto a la naturaleza, el paisaje, es uno de los temas mas recurrentes de la fotografía a lo largo de la historia, y por tanto, todo fotógrafo, independiente de la experiencia o los conocimientos que posea, dedica su atención en algún momento a la fotografía de retrato, bien sea formal o informal. El retrato como cualquier otra forma de fotografía posee además de una gran fuerza visual infinitas posibilidades.

Lejos quedaron los días en los que los extraordinariamente largos tiempos de exposición obligaban, literalmente, al fotógrafo a realizar retratos formales demasiado estáticos, con el paso del tiempo y los avances en la Fotografía, sobre todo en estos últimos años con la Fotografía digital, el retrato ha pasado del simple encuadre frío y estático a un modelo muy versátil de expresión artística para el fotógrafo, informal, de ambiente, surrealista...el retrato ha dejado de estar encasillado y restringido a la pose de salón.

En esta entrada propongo una serie de imagenes fruto de la sesión que realicé con una amiga que se prestó de modelo para componer unos retratos informales en un escenario peculiar, las vías el tren y las ruinas de lo que fue un Batán. Esta serie, tiene como única continuidad el tema pues la técnica de revelado y procesado es muy diferente entre tomas, para mi, una oportunidad de practicar diferentes visiones de procesar unas imagenes en principio sencillas.

Es en gran medida el postprocesado lo que otorga cierto carácter peculiar a estas imagenes en las que he intentado, no se muy bien si lo he conseguido,conseguir unas imagenes de mucha intensidad en las que el entorno compartiera protagonismo con la modelo. La captura, fácil en un día ligeramente nublado en el que las sombras en principio no iban a robar protagonismo a la imagen, la he reducido a una exposición basada en una medición limitada a la zona mas iluminada (a excepción de las luces puras) y sobreexpuesta entre un paso y medio y dos pasos según tomas, para después en ACR recuperar blancos muy subidos mientras aseguraba detalle en las sombras.

Los postprocesados en Ps varían entre fotografías, cada imagen está "revelada" con unos parámetros diferentes para conseguir efectos distintos y van desde la sencillez de un desaturado parcial y la aplicación de un filtro cálido de la primera fotografía, hasta los casi treinta pasos de la toma que hicimos "bajo techo" en el Batán. revelados complejos que en mi opinión ofrecen buenos resultados.

En esta otra imagen ha intentado conseguir un efecto a caballo entre
la Fotografía "Lomo" (en sus tonalidades) y un efecto dramático con
la iluminación selectiva para acercarme a una imagen con cierto aire retro.




En el momento de la captura se "abrió un poco el cielo" y las nubes dejaron pasar por unos instantes unos rayos de luz que inciden sobre la chica destacándola ligeramente del fondo.


                                                                                            
  




















  Estas dos fotografías tienen un procesado mucho mas complejo, hasta treinta pasos entre ACR y Ps.
Primero un revelado básico en ACR, temperatura de color, recuperación de blancos, negros, intensidad, saturación, corrección de lente, ruido y a través del pincel corrector, subexposición del fondo y sobreexposición de la modelo. Mas tarde en Ps, para dar mas énfasis a la nubosidad del cielo en la toma, multiplicación a través de un mascara de ese cielo, y algunos pasos con niveles, desaturación parcial y selectiva de colores...

En esta otra imagen se puede advertir un procesado un poco mas duro, un contraste mas intenso, un desaturado parcial y sobre todo el filtro cálido para intentar crear una atmósfera diferente.

Por último, una escena en la que mi intención era que compartieran protagonismo tanto la modelo como el escenario en el que se encuentra puesto que me parecía un lugar con unas texturas muy interesantes que podrían potenciar la imagen y darle fuerza.

En esta última imagen me gustaría destacar la corrección selectiva de la iluminación (por medio del pincel corrector subexponiendo el fondo ligeramente y sobreexponiendo a la modelo) para destacar a la modelo sobre el fondo sin perder totalmente la importancia éste para dar fuerza a la composición.

Con esta serie he querido experimentar sobre el retrato femenino y probar, en condiciones similares de iluminación, las diferentes opciones que posee el fotógrafo a la hora de revelar y procesar las imagenes para conseguir fotografías diferentes y originales.
Espero que os haya gustado esta entrada, el próximo post...en unos días...
Saludos.

man_castillo

mancastillocollado@gmil.com

                                                                     

Multiple exposición (en una sola toma) "Devil inside"

Ansel Adams, uno de los mas grandes fotógrafos de la historia, dijo en una ocasión que ”No tomas una fotografía. La haces.", este concepto, en mi opinión, es uno de los pilares en los que se apoya la Fotografía artística (la que no representa cumpleaños o fiestas de fin de curso, y a veces esta también), la capacidad del fotógrafo para salir de la realidad y construir una realidad alternativa o diferente, realizar la fotografía y no sólo disparar la cámara.

Una de las técnicas que mas libertad creativa nos ofrecen a la hora de realizar nuestras fotografías es la de la múltiple exposición, tanto en una toma como en varias. Uno de los primeros fotógrafos en utilizar esta técnica fue Man Ray a comienzos del siglo pasado consiguiendo impactantes imagenes surrealistas de una gran fuerza estética.

Esta técnica se puede acometer desde dos variantes, una de ellas heredera de la técnica de la doble exposición de la era analógica de la fotografía que, en las antiguas cámaras de película de 35mm se realizaba disparando varias veces sobre la misma parte de película (liberando el carrete que se rebobinaba después de un primer disparo para volver a  exponer la película previamente disparada ya) con lo que se conseguían imagenes superpuestas, en ocasiones solapadas en transparencias, que modificaban completamente la imagen original. es esta una técnica en la que con apenas luz ambiente y una exposición muy larga (entre 8 y 30 segundos como media, a veces mas) y unos disparos a mano de un flash o una linterna, congelamos  varios momentos diferentes en la misma fotografía, creando así interesantes efectos transparentes.

En esta ocasión, el tema semanal para el taller BTK que nos planteaba l compañero kainpower era, precisamente, doble exposición en una sola toma y mi propuesta, una imagen tenebrosa que, titulada "Devil inside (Lo que oculta mi mirada)" , pudiera transmitir, o al menos es lo que me proponía, cierto desasosiego.

Para crear esta imagen, preparé la cámara en un trípode (esto es fundamental en esta técnica) y con muy poca luz ambiente, me decidía por una apertura muy cerrada  f/13 puesto que la velocidad debía ser muy lenta, 8 segundos y ante esta velocidad por poca luz ambiente que se tenga, se obtienen fotos muy iluminadas (que es precisamente lo contrario que yo pretendía).  el resto de los datos de captura son ISO 100 y una focal de 49 mm (de un Canon 18-55mm).

El modelo soy yo mismo (no encontré voluntarios para posar de esta guisa) y me situé frente a la cámara poniendo mi mirada mas fiera, en la coronilla llevaba recogido un pasamontañas de lycra que lleva impresa una calavera y que tras contar 4 segundos me bajé de un tirón para seguir posando otros 4 segundos mas.

Básicamente este es el procedimiento para conseguir la doble exposición, tras esto hay un revelado y procesado en Ps para dar un aire mas tenebroso a la imagen, con un desaturado parcial, niveles, una textura para el fondo, un par de filtros de desenfoque y un filtro cálido al 33%. Este es el resultado:

Aunque no es una composición perfecta desde el punto de vista de la exposición múltiple, se puede apreciar como se superponen dos imagenes en una con cierto grado de transparencia, como se puede observar, la técnica de la múltiple exposición ofrece posibilidades creativas  increíbles.

Esta técnica, casi artesanal pese a usar nuestros sofisticados equipos digitales, recrea en cierto modo, esa  simplicidad de la fotografía química aunque, como en esta, no nos permite tener un control total sobre nuestra toma.
Naturalmente en la actualidad, en lo que podríamos llamar ya no la era digital de la fotografía, sino casi podríamos decir, la era del Photoshop, hay otra técnica alternativa para lograr resultados similares (incluso mejores) pero con mucha mas facilidad y, lo que es mas importante, con absoluto control de nuestra fotografía, es la técnica de la exposición múltiple en varias tomas (montadas posteriormente con Ps u otros programas de retoque y procesado similares), tema del que nos ocuparemos en el próximo post.

Espero que os haya interesado esta explicación, hasta pronto, un saludo.

man_castillo

"Mas Frágil que una gota de agua..." (una gota de agua en una burbuja de jabón,,,) BTK 3.0 Ed.2013 semana 6: Tema: Fragilidad.

En alguna ocasión todos nos hemos sorprendido al contemplar fotografías sobre gotas de agua que el fotógrafo ha congelado mientras salpicaban al impactar sobre un líquido, tomas a veces de imagenes que parecen imposibles. Las fotografías sobre gotas son un tema recurrente que, bastante agradecido si conseguimos la toma adecuada, en alguna ocasión a lo largo del periodo de aprendizaje del fotógrafo todos hemos intentado realizar.

Fred McCullin dijo en una ocasión que "la Fotografía no puede cambiar la realidad, pero si mostrarla", y en este caso, lo importante no es ya tanto la interpretación subjetiva de la realidad por el fotógrafo si no tratar de mostrar la increíble realidad sin mas adornos.

En esta ocasión y bajo el tema semanal de la BTK "Fragilidad" que nos planteó Kainpower mi propuesta ha sido una imagen de una gota de agua salpicando pero, tras ver la interpretación espléndida del fotógrafo amigo Marc Cuscó de la gota en versión "multicolor", dándole una vuelta de tuerca al concepto de fragilidad basado en la gota, la idea final ha sido una gota de agua dentro de una pompa de jabón.

La cuestión suscitaba algunas dificultades técnicas precisamente por la extrema fragilidad de la burbuja de jabón, pero convencido de que era posible pues había observado en alguna ocasión que las gotas de agua pueden atravesar las burbujas sin explotarlas, decidí intentar ese reto, el resultado no ha sido estéticamente perfecto, pero he podido conseguir la ansiada foto que, al final, es lo que importa.

Normalmente los preparativos para realizar una toma de gotas de agua se suelen reducir a una bandeja mas o menos profunda llena de agua y un "cuentagotas" (además de los elementos técnicos habituales comunes a la mayoría de fotos de estudio o de producto, lamparas o flashes, reflectores, cámara...). pero en este caso, para conseguir además el plus de la burbuja atravesada por el agua, se necesitaba también agua jabonosa y una pajita o cañita de refresco, con la que, untándola de agua jabonosa y soplando a través de ella crear la burbuja sobre la superficie del agua.

Una de las claves para conseguir una buena foto siempre es un buen enfoque, algo que en este tipo de fotografías es mas complejo por el escaso contraste que suele presentar el agua en el recipiente, apara ello usé una cinta métrica de costura, la situé cruzando por el punto en el que quería dejar caer la gota en la burbuja y enfoqué sobre ella en modo manual fijando así el enfoque.

 Detalle de la cinta métrica en la que enfocar con mas precisión

Calculé la exposición que iba a iluminar con dos flashes esclavos mediante fotocélula (el sistema mas barato que hay para usar múltiples flashes ) cuidando de apuntar el flash principal hacia el techo para que no incidiera su luz apenas sobre la bandeja de agua y solo sirviera para disparar los otros puntos de luz esclavos.

Un detalle muy importante: para realizar esta fotografía de gota  de agua es imprescindible o bien un cable disparador o bien un disparador remoto por infrarrojos, de lo contrario es practicamente imposible coordinar el disparo y la gota para que coincidan en el tiempo y podamos tomar nuestra foto. En mi caso opté por disparador remoto por comodidad (decir que en la Canon 1100D sólo funciona el disparador remoto si se acopla un grip con receptor Ir integrado, pues la cámara carece de este receptor).

Tras estos preparativos, me armé de paciencia, y comencé la sesión, algunos fotógrafos dedicados a este tipo de fotografía afirrnman que para un fotógrafo poco iniciado en este tema de la gota, suelen ser necesarios entre 120 y 200 disparos aprox. para conseguir la imagen nítida de la gota, y que con la practica con entre 30 y 50 deberían ser suficientes. Decir que yo tuve suerte, en apenas 25 o 30 disparos conseguí captar la gota salpicando dentro de la burbuja.

Con la pajita de refresco, soplando, hice una burbuja que ayudandome de la misma pajita coloqué en el centro del recipiente y comencé el proceso de disparo y goteo.
Mi imagen tiene un fallo que solo conseguí paliar a medias con el procesado en Ps y que es necesario comentar para evitar que otros fotógrafos que se animen a intentar este tipo de fotos lo puedan cometer, el recipiente que utilicé tenía una textura muy pronunciada con lo que, al tener muy poca profundidad (un par de centímetros de agua apenas) emborronó con aparente falta de nitidez el resto del encuadre, afeando así la imagen final, es necesario un recipiente sin textura a ser posible completamente liso.

A continuación la imagen final:

Toma: Canon Eos 1100D con objetivo  canon 75-300 Ef-S f/4-5.6 con una distancia focal de 210 mm una apertura de f/8 a 1/200 y  1600 ISO

El procesado tan solo tiene una ligera corrección de niveles, recuperación de zonas sobreexpuestas en ACR y un filtro cálido al 32% para compensar los tonos demasiado fríos que resultaron. Lo dicho, estéticamente no es el mejor resultado pero no me negareis que la gota en el interior de una burbuja no es impactante.

La próxima semana una foto en B/N, tema semanal propuesto por el compañero Mario Pellitero, justo ganador de esta semana con su estupenda fotografía sobre fragilidad.
Saludos.

PRACTICA: Realizando una foto dramatica ("Tormenta inminente" . BTK 3.0 Ed.2013 semana 5 Tema: "Cielos")

El Fotógrafo Arnold Newman, padre del "retrato ambiental", dijo en una ocasión "La Fotografía, como sabemos, no es algo verdadero. Es una ilusión de la realidad con la cual nosotros creamos nuestro propio mundo privado". La Fotografía no encierra la verdad absoluta, el fotógrafo, a poco que desee dejar su impronta personal en la imagen que nos muestra, nos dará una visión subjetiva de esa realidad que modifica a través de los parámetros de su toma o de su revelado posterior.

En ocasiones, no encontramos en la realidad, en la naturaleza si no el punto de partida para crear, realmente para construir, una imagen que tenemos en la imaginación, en ocasiones, hasta antes de verla verdaderamente a través del objetivo de nuestra cámara. Esta visión personal que queremos crear no es mas que una modificación de la realidad tal y como la percibimos y la fotografía final, la imagen a mostrar, no es otra cosa que el intento de enseñar a los demás que sensaciones nos produce contemplar una imagen determinada, es en la experiencia del fotógrafo donde está la clave para conseguir esa foto especial, la imagen impactante que no nos deja indiferente, eso, en mi opinión, es lo que andamos buscando la mayoría de los fotógrafos, con mayor o menor acierto y es, en definitiva, el significado del proceso de aprendizaje constante que supone la Fotografía.

Cuando Lydiia nos propuso como tema semanal para la BTK, "Cielos", en mi cabeza se formó una imagen que, aprovechando los espectaculares cielos tormentosos de estos días, diera con una foto espectacular. Ya había construido mentalmente mi foto y tan sólo había que realizarla.
La primera idea que se me ocurrió era un cielo muy nuboso reflejado en el agua del pantano de El Regajo, si mantenía el horizonte justo en el centro del encuadre, tendría un "doble cielo " protagonista, la idea en principio no me pareció mal. Al tratar de realizar la foto me encontré con la primera dificultad, sin un buen filtro polarizador regulable, el reflejo no me servía pues estaba demasiado difuminado y perdía el efecto que pretendía mostrar.

Descartada esa idea primera y también el recurrente tema de los cielos estrellados nocturnos por obvias razones, salí a buscar el encuadre adecuado que permitiera enmarcar los impresionantes cielos encapotados, lo encontré dando un paseo por los alrededores de mi casa (ventajas de vivir en un entorno natural privilegiado).

Esta es la captura en mi Canon 1100D con el objetivo 18-55   f/3.5 - 5.6. Con una distancia focal de 27mm y una velocidad de 1/250 a f/4.5. Sobreexponiendo las luces altas un par de pasos para tener toda la información en las sombras (luego las luces reventadas se pueden recuperar en ACR facilmente si no nos pasamos mas de dos pasos), se puede apreciar fácilmente la sobreexposición.

Tras el revelado en Adobe Camera Raw en el que recuperé los blancos quemados (no hizo falta exponer mas la imagen por la sobreexposición de captura), ajustar los negros, el contraste y la saturación, (también tuve que repasar el ruido y la intensidad), con el pincel corrector de ACR, ajusté la exposición de la zona inferior derecha y concluí el revelado desaturando parcialmente toda la imagen pues no me gustaba la dominante azul (esto se puede corregir también mas facilmente ajustando en ACR la temperatura de color de la toma).
Tras el revelado en Camera Raw, la foto quedó así:

Se puede apreciar varias diferencias, sobre todo, al aumentar contraste y  reducir la saturación de verdes y amarillos, se otorga mucho mas protagonismo al cielo (que es de lo que se trataba). Pero todavía no se trataba de la imagen final que quería mostrar, necesitaba, dado el tema semanal, conseguir un cielo mas dramático, mas...espectacular. Para ello se me ocurrieron varias opciones recurrentes, por un lado añadir mas nubes de tormenta, algo fácil pues había disparado varias tomas unos minutos después en los alrededores, así pues, tomé "prestadas" algunas nubes de otras fotos y con cuidado las añadí a esta toma, procurando que nos se notara la diferencia (disponiéndolas en capas diferentes, usando la herramienta borrador con mucho cuidado, difuminando los bordes de las zonas tratadas, ajustando con cierta exactitud brillo y contraste para que quedaran bien integradas en la imagen yacente...), por otra parte, "multipliqué" el cielo en una capa de ajuste y le dí aun mas contraste y por último le añadí a toda la imagen un filtro cálido para realzar un poco la zona inferior (y contribuir aun mas a eliminar la dominante azulada).

Este es el resultado final, creo que se puede percibir un cielo mucho mas dramático que en la toma inicial:

 

Para terminar la edición de la foto decidí otorgar cierto efecto "Orton" al tratarse de una imagen de paisaje, así pues le apliqué un filtro de desenfoque Gaussiano, le aumenté la luminosidad, el brillo y jugando un poco con una capa de ajustes niveles, le di esa especie de "halo" que tiene la imagen, como un desenfoque en el que no se pierde el detalle de los diferentes elementos de la composición, creo que, finalmente, encontré algo muy cercano a lo que andaba buscando.

Saludos y hasta la próxima semana.

man_castillo.

"Simply...sencillez de líneas". BTK3.0 Ed.2013. Semana 5

El grandísimo Robert Capa, genio de la fotografía de prensa que, consiguió de manera magistral hacer coincidir en su trabajo arte y compromiso social  con la verdad y que pasó a la posteridad, entre otras cosas, por ser el autor de la famosísima fotografía "muerte de un miliciano" en la que capta con gran dramatismo el momento en el que es alcanzado un miliciano republicano por una bala fascista causándole la muerte, todo un  icono fotográfico de la lucha por la Libertad contra los totalitarismos, dijo en una ocasión que "Si tus fotografías no son suficientemente buenas es porque no te acercaste lo suficiente.".
Y eso,  precisamente, es lo que he intentado hacer con esta imagen que, respondiendo al tema "Sencillez", he titulado "Simply...sencillez de líneas" y con la que buscaba un encuadre sencillo, con poco color, incluso con pocas tonalidades, con sobras poco definidas y sobretodo con poco dramatismo, he querido acercarme al objeto de la foto tanto como he podido para, de alguna manera, encontrar ese encuadre diferente, ese punto de vista original que pudiera convertir un objeto en apariencia simple en algo diferente.

Esta fotografía no tiene grandes secretos, se trata de la parte inferior de la estructura de uno de los maravillosos puentes que el arquitecto Santiago Calatrava proyectó para la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Como en toda su obra, el cuidadoso diseño de sus construcciones no descuida siquiera las partes menos vistas o funcionales, esta no es excepción, y la estructura inferior de sostén del puente tiene ese diseño depurado de líneas definidas y un color uniforme y luminoso que siempre que lo transitaba me llamaba poderosamente la atención.

 El encuadre, muy cerrado, buscaba una composición original que, manteniendo cierto equilibrio, compusiera una imagen sencilla e impactante a la vez, huyendo del dramatismo del contraste alto y los colores saturados. Buscaba sencillez.
Para encuadrar esta estructura tan grande, decidí ir al detalle y disparé desde lo alto de una escalera a metro y medio aprox. de distancia. La iluminación consistió en un par de flashes esclavos, disparados con fotocélula por simpatía con el flash integrado en mi canon 1100D y que contaban con difusores bastante opacos (al igual que el flash integrado) para evitar las sombras excesivamente duras.

Después de un par de pruebas, opté por subir el ISO a 400, tras medir la luz incidente, disparé a 1/100 s con una apertura f.4.5, bastante abierta pues quería tener en foco toda la imagen. Disparada con un objetivo Canon EF-S18-55 mm f/3.5-5.6 sin estabilizar, encuadré con una focal de 33mm.

El revelado y procesado de esta imagen no tiene ningún secreto, al estar correctamente expuesta desde la captura, no necesité recuperar luces ni ampliar la exposición en ACR, so único que se ha modificado es la temperatura de color y bajé ligeramente el contraste para "aplanar" de alguna manera la imagen.
Como se puede ver es una imagen sencilla de ver y de realizar y que se podría encuadrar en la Fotografía de arquitectura como detalle de ésta.

La próxima semana el tema propuesto por la compañera Lydiia, ganadora merecidamente de esta semana, es "Cielos". Hasta la próxima semana/entrada.
Saludos.

"A través de mi objetivo". BTK 3.0 Ed.2013. Semana3. "Aficiones"

La Fotografía no debe ser necesariamente un testigo fiel de la realidad, puede serlo o no, lo importante no es, en mi opinión, como es la realidad si no como la percibimos y que sentimos hacia ella. A veces en una misma fotografía pueden convivir diferentes realidades y en ocasiones, incluso ninguna. El increíble y atrevido fotógrafo norteamericano David LaChapelle dijo en una ocasión: "La gente dice que las fotografías no mienten. Las mías sí.".

La Fotografía es una afición absorvente, tanto es así que el fotógrafo nunca tiene suficiente, siempre busca una foto mejor, una imagen mas bella, una idea mas original, otra cámara mas, un nuevo objetivo a través del cual disparar, así que, cuando el compañero Kaiser 76  nos propuso como tema semanal en la BTK 3.0, "aficiones", llegué muy pronto a la idea que presenté, ¿porque no una exposición múltiple, aprovechando las ventajas de lo digital a la hora de manejar imagenes?...mi idea era componer una imagen que hablara de eso, de la afición, inconmensurable, de la Fotografía, y para ello, varios fotógrafos en uno, verdad y mentira, mirando al mundo y al espectador a través de sus cámaras, quizás fui muy ambicioso...

 En esta imagen  lo mas complicado fue la exposición, la captura, por ser un autorretrato múltiple, resultaba complejo calcular la posición e incluso fijar el enfoque para que "cuadraran" todos los fotógrafos, de hecho, en este sentido, hay un fallo en la composición, pues el segundo fotógrafo, encorvado que mira hacia la izquierda, no está bien centrado y además se encuentra muy cerca de la tercera figura.
Para encuadrar esta composición, me serví de una silla a la que enfocaba y me permitía calcular la posición que después ocuparía yo. Al disparar con la cámara fijada sobre un trípode y usar un disparador remoto, sólo tuve que añadir un retardo en el disparo de un par de segundos para terminar de colocarme en posición, eso si, realicé alrededor de una veintena de disparos con los mismos parámetros de apertura y velocidad para conseguir mas o menos un encuadre que me sirviera.
Lamentablemente una nube a travesó por delante del sol en una de las tomas y esta tiene una ligera diferencia de luminosidad, otro de los fallos que cualquier fotógrafo podría apreciar con facilidad.

El revelado y procesado de la composición fue mas fácil que la captura. En ACR recuperé un poco los blancos mas reventados, ajusté negros, contraste e intensidad, asegurándome de dar los mismos parámetros a las tres fotografías y después en Ps, sólo tuve que apilarlas por capas, que al tener el mismo fondo exactamente, resultó muy fácil de montar, tan sólo tenía que ir borrando de las diferentes capas la parte de fondo que debajo contenía figura (como soy un fotógrafo bastante vago, cometí un error al querer borrar mas rápido, hice una selección cuadrada para no pasarme y esto motivó el error mas grande de la imagen, una línea de corte en el suelo entre la segunda figura y la tercera). El error del suelo, he de confesar que lo vi claro después del retoque final de aprox. veinte pasos y, ya hemos dicho que soy un poco vago, no me apetecía volver a rehacer todo el proceso.

Cuando tuve todas las imagenes "acopladas" en una misma capa, tan sólo tuve que aplicar un retoque a toda la imagen cuyos pasos mas importantes son, la desaturación parcial de toda la foto (marca de la casa)  un filtro cálido al 35%, un ajuste de contraste y una capa de niveles para dotar de cierta personalidad a los tonos medios.

El resultado no está mal, quizás con ayuda o mas paciencia para la captura podría haber conseguido una mayor diagonal entre las tres figuras y sin duda, debería haber corregido la línea de corte en el suelo hacia la derecha, pero al fin y al cabo, sólo soy un aprendiz, no?...

Creo que el título le viene que ni pintado, "A través de mi objetivo" o, ¿debería haberla titulado a través de mis objetivos?...
Saludos.


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"My family from one side to the other his shoe" . Bati 3.0 Ed. 2013 segunda semana.

El gran fotógrafo Ansel Adams dejó dicho en alguna ocasión que "No tomas una fotografía. La haces", y esto, precisamente, es lo que he pretendido con la siguiente imagen que voy a comentar.
Para la segunda semana de esta edición de la Bati 3.0, el compañero Clive V, justo ganador de la primera semana, nos proponía como tema semanal, "La Familia", tema peliagudo se mire como se mire y, dadas mis mas que reticencias a subir a la web fotos de mi familia, decidí, como la mayoría de participantes, componer una imagen que sugiriera, de alguna manera, la idea de familia o al menos que evocara esa idea.

Recurriendo a la conocida expresión anglosajona de "ponerse en los zapatos de alguien", porque no tratar de alguna manera de definir a mi familia a través de sus zapatos?. (He de reconocer que no fue mi primera idea, pero mi primer planteamiento, las manos de mi mujer y mis hijas, no resultó tan fácil como yo esperaba y el tiempo corría en mi contra). Así que decidí componer una foto con el calzado de todos. Después de varias pruebas, opté por hacer un círculo mas o menos imperfecto y centrar toda la atención sobre él, sustrayendo para ello, color y tono.

Para dotar de cierto dramatismo, por llamarlo de alguna manera, a una imagen que en principio no generaba mucho interés, decidí en el procesado, añadir o que se conoce como efecto "Orton", un efecto que se suele utilizar casi exclusivamente en paisajes y que dota de esa especie de "aura" que se genera fácilmente en Ps con el conocido filtro desenfoque Gaussiano y con el control de intensidad y el de luminancia a la vez.

Un contraste elevado, combinado con ese efecto Orton que comentaba y la desaturación parcial de los colores, pretendían otorgarle cierta personalidad a esas prendas. Elegí ese encuadre rectangular estándar porque visualmente es mas agradable al ojo que el cuadrado que reservo únicamente para las fotos de instagram y esto suscitaba un pequeño problema en el encuadre, pues quedaba una composición con "mucho aire" por los lados sin interés, este problema decidí resolverlo con un viñeteado que, por un lado, centra la mirada directamente sobre lo importante, el círculo de zapatos, y por otro, resta peso visual al encuadre abierto por los lados. Esa es la razón del viñeteado que ha chocado a algun@s y que en principio puede parecer un poco fuera de lugar en una composición de este tipo.

La captura no fue complicada, en un entorno donde era fácil controlar las condiciones de luz y dado que los zapatos ni se mueven ni pueden escabullirse, con medir a lo mas iluminado y sobreexponer un punto para luego en ACR recuperar los blancos, ajustar exposición, negros y contraste, disparada a través de un 18-55 de canon sin estabilizar sobre un trípode, con una distancia focal de 34mm y una apertura de f/5 a una velocidad de 6 segundos con ISO 200 (los zapatos estaban  a 140 cm ) encontré la exposición que servía para la foto que quería conseguir.

Espero que no os haya resultado muy pesada la explicación, así es como se hizo la foto y porque.
Un saludo.

BTK 3.0 Ed.2013. Semana 1. "Volviendo a las obligaciones"

Después de meses sin participar, vuelvo a la Bati, el concurso-taller que, creado por y para usuarios de la cámara Canon 1100D, sirve de excusa y de aliciente para empuñar nuestra cámara y aceptar el reto de la fotografía semanal. En esta tercera edición, Bati 3.0 Ed.2013 que acaba de arrancar con el tema, "Vuelta a las obligaciones", el nivel de exigencia, no sólo técnica, también de originalidad, va a ser claramente superior a pasadas ediciones.

Un buen recurso para el aprendizaje y la practica de la fotografía, pues establece una cadencia semanal de trabajo y propone un tema cada siete días, que además estrecha lazos entre aficionados, y en algunos casos, amigos.

La semana pasada Kainpower nos proponía como tema "La vuelta a las obligaciones" habiendo conseguido un alto nivel de participación. Bajo este tema y con el título "esclavo de la patronal" compuse esta foto que ha cosechado tres asteriscos y algunas críticas muy positivas.

 

 

Para conseguir esta imagen, realicé una serie de disparos con diferentes encuadres para una misma composición, buscando una imagen dramática que evocara la alienación, la tristeza y la desesperación que, en ocasiones, pueden producir ciertas condiciones laborales o situaciones socioeconomicas.
Con este encuadre bajo e incluyendo mucho suelo por delante del sujeto y poco aire por encima, buscaba mostrar "empequeñecido" al protagonista y así hacer ver su indefensión. El drástico recorte por la derecha, en mi opinión, acentúa esa sensación, de hecho, en otras tomas conseguí otros recortes mayores e incluso probé con la figura centrada, pero consideré que el efecto que buscaba se acentuaba con este encuadre.

Utilicé el objetivo EF-S 75-300 de Canon, un objetivo de gama baja sin estabilizar y no muy luminoso, cuyo enfoque algo defectuoso, compensé colocando la cámara sobre un trípode. Está disparada sobre los 80mm del zoom, a una velocidad de obturación de 1/125 de segundo, suficiente por la intensa luz de esa hora del día, a pesar de un diafragma bastante cerrado, f/8.0.

Tras el revelado básico en ACR (Adobe camera Raw), con el orden y el flujo de trabajo que propone J.Mellado, es decir, con los controles de recuperación, de ajustes de negro y contraste, para conseguir un histograma que ocupara razonablemente todo el espectro, procedí al procesado duro que podía añadir cierto dramatismo a la imagen.

Subí, quizás algo excesivamente el contraste para añadir ese dramatismo, saturé, a través de capas de ajuste ( que no degradan la imagen original) selectivamente algunos tonos, añadí con algunas acciones que he ido perfeccionando poco a poco a base de experimentos, algo de ruido imitando grano y después de varias acciones en capas de ajuste para conseguir esa textura y reventar ligeramente los blancos del fondo (que creo que ayudan a situar la vista sobre el sujeto), creo que conseguí llegar casi, casi a lo que estaba buscando.

El resultado, lejos de una foto técnicamente perfecta, creo que es bastante satisfactorio, establece una conexión entre el sujeto y el tema bastante razonable, crea en mi opinión, la sensación de abandono y desesperación y en conjunto aparece como una imagen dura que, ojalá, no deje indiferente.

Por cierto, el grillete y la bola forman parte de un disfraz de fantasma de mi hija mayor y la idea, que fue la primera que tuve nada mas conocer el tema de la semana, me surgió en un minuto, la tuve clara desde el principio, cosa que no suele suceder.
Espero que os haya gustado la foto y que no haya sido demasiado larga la explicación.

Saludos y hasta la próxima imagen, el próximo tema será "La Familia", propuesto por Clive V, ganador de la primera semana.

La Sierra de Espadán desde un punto de vista diferente. Fotografía infrarroja.

A cualquier fotógrafo que se precie (y que no lo haga también) le apetece experimentar con la luz sin limitaciones. En algún momento probamos cosas nuevas que, inevitablemente, a veces salen bien, en ocasiones no tanto.
Todos nosotros, aficionados a la fotografía, cuando llevamos cierto tiempo en esto de pintar imagenes con la luz (y la ayuda de nuestras cámaras fotográficas) probamos solarizaciones, dobles exposiciones, procesados mas o menos extravagantes...en esta ocasión  yo he probado a hacer mis primeros pinitos en fotografía infrarroja, y aquí está el resultado: una imagen rara pero no exenta, en mi opinión, de cierta belleza.

Lo primero puntualizar que no todas las cámaras fotográficas nos van a servir para captar estas fotografías infrarrojas, esto es debido a que la mayoría de las cámaras poseen un filtro que bloquea, en unas mas y en otras menos, la mayor parte de los rayos infrarrojos que llegan al sensor (esto es fundamentalmente para evitar una dominante roja que afearía la mayoría de nuestras fotos "normales") . Las Reflex de gama media y baja Canon y Nikon suelen tener unos filtros infrarrojos que no bloquean totalmente el espectro infrarrojo de la luz con lo que podremos usarlas para intentar esta aventura de la fotografía Ir.

Necesitaremos, si o si, necesariamente un filtro IR que combinado con una muy larga exposición a la luz nos conseguirá una toma útil, este filtro bloquea toda la luz no infrarroja y la poca luz IR que el filtro interno de nuestra cámara deja pasar se convierte, gracias a la exposición extra larga, en la única que llegará al sensor.

Me parece muy importante señalar que hay que enfocar sin el filtro IR montado sobre el objetivo pues a través de éste no podemos ver nada. Aconsejo enfocar en modo manual o bloquear el enfoque una vez ajustado si tenéis, como yo, disociado el enfoque del botón disparador.

Una vez realizada la toma, encontraremos una imagen con una muy contundente dominante roja no muy atractiva, no os desaniméis, tan sólo le falta, como a cualquier buena fotografía, un procesado adecuado.

Para no aburriros con una larga explicación del revelado de este tipo de imagenes os invito aseguir un par de enlaces a estupendos tutoriales que os pueden ser de gran ayuda para revelar estas fotos IR, tan sólo decir que tras la toma, en Ps, unos ajustes de niveles, una capa de ajuste de tonos y el cambio de fusión de capa de normal a COLOR y tras unos pequeños retoques al gusto de cada cual, este es el resultado. Dista mucho de ser lo que buscaba, pero no me parece un mal comienzo...
Espero que os guste, al final del post están los enlaces a los tutoriales de procesado de fotografía infrarroja...

    "Sierra de Espadán infrarroja" por  man_castillo



Tutoriales:
Fotografía para principiantes
Fotografía infrarroja fácil
Trabajar con Photoshop

Práctica: BODEGÓN

Como indcaba en la anteior entrada, esta semana mi reto fotografico, impuesto por la compañera Tati, era el tema del BODEGÓN, así que, realicé mi visión de lo que podría ser un bodegón original desde mi punto de vista personal, después de darle muchas vueltas y de intentar otras fotos, decidí contar en una sola imagen una historia, bueno, contarla no, sugerirla, aqui está mi composición, un bodegón que lleva por título "Preparando un viaje o...recordandolo".

Los datos EXIF para ver como se disparó esta foto los podéis ver a través del enlace pinchando sobre ella, en mi página de FLICKR, ahora voy a contar como la he realizado.

Opté por una composición clásica para evocar un estilo de fotografía antiguo, el plano es un topográfico corriente de mi comarca, la cámara la compré aun chatarrero procedente de un derribo (5 euros pagué por ella y solo la compré por que me daba pena su estado tan deteriorado). La iluminación se montó con un flash esclavo por fotocélula orientado hacia el techo (a unos dos metros de altura desde la base del flash) otro flash con un difusor disparado desde la derecha por fotocélula esclava iluminaba la parte frontal derecha y eliminaba las sombras "ablandándolas", por último, un tercer flash TTL sobre la cámara programado a la segunda cortinilla disparaba a los otros y tamizado por un difusor y ocultado parcialmente por mi mano, iluminaba desde delante la escena.
Después, revelado en ACR con reducción de ruido, de color y luminancia, sobreexposición selectiva sobre el pasaporte, la navaja suiza y la brújula con el pincel de ajuste, y mas tarde, procesado en Photoshop, desaturación parcial de toda la imagen, filtro de fotografía cálido (81 creo, al 27% ) y un ligero viñeteado para dar ese toque anticuado. Eso es todo. Estoy razonablemente satisfecho con el resultado, ahora a ver como la valoran mis compañeros del taller fotográfico.
¿Y tu, te animas a intentar un bodegón?.si te animas y quieres, puedes mandarme tu foto a mi correo electrónico y podemos comentarla aquí, de las críticas de los demás se aprende siempre...

A continuación, un descarte de este mismo tema, un bodegón que intenté primero y descarté porque no me convencía el resultado:

Espero que os haya resultado interesante.
Un saludo.