Los límites de la Fotografía (Árbol subjetivo)

 

  A través del desarrollo de las últimas tecnologías, sobretodo la digitalización de los equipos fotográficos, y aún más con el desarrollo del software de postproducción, llámese Photoshop, Lightroom, Capture One u otros, los tradicionales límites de la Fotografía se han diluído hasta desaparecer completamente, la Fotografía como "notario de la realidad" es un concepto obsoleto ya y la percepción que algunos artistas de otras disciplinas tenían de la Fotografía, como un arte menor, han dejado de tener sentido.

Actualmente el Fotografo puede con la ayuda de su equipo y del, mayor o menor, manejo del magnífico software de tratamiento de la imagen, conseguir cualquier imagen que desee, el único límite es su IMAGINACIÓN...

Como en el caso de esta imagen a la que he titulado "Árbol subjetivo" pues es una imagen que ha surgido solamente de mi imaginación...

 

 

 Una imagen que, si bien se ha producido en muchas ocasiones en el pantano de El Regajo (y en otros muchos pantanos y lagos, en épocas de crecidas) en ésta ocasión es una imagen "cosntruída" por la combinación de varias imagenes que por separado tienen connotaciones muy diferentes pero que, mezcladas con el software apropiado pueden convertirse en una composición bastante resultona.

Esta imagen comienza con la fotografía de un cielo, un cielo fotografiado en uno de mis paseos por la cercanía de casa (tengo la gran suerte de vivir en un entorno privilegiado) losprimeros días después del desconfinamiento.

Despúes de contrastar un poco la foto y de subir ligeramente la saturación, de esa misma foto he tomado una parte para "fabricar" el reflejo del agua de la parte inferior... (copiando una franja, volteándola verticalmente y después desenfocándola).

 Mas tarde es cosa de añadir el árbol, en éste caso "creado de la nada" con un filtro de Photoshop, un fltro configurable quee permite por ejemplo decidir como serán las ramas, la altura y grosor del árbol o lo tupido de sus ramas...

Tras ésto, he copiado el árbol, después lo he voltado verticalmente, he deformado un poco su perspectiva para hacerlo mas creíble y lo he desenfocado imitando como se vería su reflejo en una agua muy quieta sin olas...

Tras añadir éste último elemento, tan sólo quedaba ajustar ciertos parametros como la iluminación, el tono y sobretodo la saturación para conseguir ese efecto ligeramente brumoso y evocador...

Tras esto el resultado final es la imagen del principio que, creo modestamente, que no termina pareciendo muy irreal...

¿Que os parece?, ¿os gusta el resultado?...

Como decía, la Fotografía ha dejado de tener límites, aunque he de decir, en honor a la verdad, que hay much@s fotógraf@s que opinan que esto no es verdaderamente Fotografía, pero...acaso importa con que pincles pintó el Gran Velazquez Las Meninas?

 

"Encuadre natural" Una ayuda a la composición. Fotografía: "El Portalico" (Calle Empedrado, Altura. Castelló)

Marcel Duchamp, gran pintor e impulsor del movimiento pop en el arte, opinaba que "no son los pintores sino los espectadores los que hacen los cuadros" pues, y esto lo añado yo, sin la interpretación última del espectador, cualquier obra de arte, incluso la Fotografía, carece de sentido.
Al espectador hay que ayudarle a interpretar la imagen, esto forma parte del proceso creativo si se pretende transmitir un mensaje, una idea o una sensación concreta, hay que, en cierto modo, dirigir su atención, guiar a sus ojos hacia donde queremos hacerle llegar, y para esto en una obra artística no se puede dejar nada al azar, todo elemento encuadrado en a imagen debe tener, no sólo un sentido coherente, sino una situación dentro del espacio que conforma esa obra y en la mayoría de las ocasiones, es necesario enfatizar ese elemento fundamental para hacerlo mas inteligible.

La atención del observador, en el caso de la Fotografía, se puede dirigir por medio de varias técnicas, que pueden ser concurrentes en una misma imagen, no muy diferentes de las empleadas en la Pintura. La mas habitual es por medio del enfoque y con éste con el control de la profundidad de Campo o PDC, ésta determina la "franja"  de la imagen que podemos contemplar con nitidez por delante y detrás del sujeto enfocado, así pues, desenfocando, o lo que es lo mismo, dejando borroso el fondo conseguimos dirigir la mirada hacia el sujeto protagonista que es el que se podrá contemplar con nitidez y detalle, este es e método mas usual para conseguir centrar la atención en lo importante, aunque como veremos a continuación, no el único.

Otro método para guiar al ojo del espectador sería por medio de la iluminación,  mediante el cual, iluminando ciertas partes de la escena y dejando menos iluminadas, incluso en penumbra o total oscuridad otras, damos énfasis a lo que consideramos mas importante dentro de la composición, esto se puede conseguir a través de la iluminación y la exposición, incluso podemos potenciarlo posteriormente en un revelado por zonas.

Desde el punto de vista compositivo, un método menos usual para conseguir concentrar la atención en lo que queremos enfatizar como elemento mas importante de la imagen sería lo que se ha dado en llamar "Encuadre natural" y que generalmente en combinación con los métodos que hemos descrito antes, permite una manera mas plástica de señalar lo fundamental de nuestra fotografía. Aprovechando el marco que nos puede brindar alguno de los elementos "secundarios" de la imagen, tales como portales, árboles, ventanas, oquedades naturales en las rocas, arcos u ojos de puentes,m etc. podemos encuadrar a través de estos al sujeto principal, guiando la mirada del espectador hacia él, dándole así protagonismo.

Si además iluminamos menos o incluso subexponemos el área de estos "marcos naturales" podemos intensificar este efecto. Incluso se puede utilizar a personas que situándolas de forma que miran hacia el punto de interés de nuestra foto guían la mirada del espectador pues todos hemos comprobado en alguna ocasión como si un grupo de personas mira en una dirección determinada, todos los que los contemplan acaban mirando también en esa misma dirección.

Cualquiera de estos métodos pueden ser validos para componer correctamente nuestra imagen y conseguir el efecto deseado en el observador pues, al final es la complicidad con el espectador la que nos lleva a una buena fotografía ya que una fotografía, al final, se construye entre el fotógrafo y el espectador que la interpreta.

En el ejemplo que propongo se puede ver claramente por un lado como he encuadrado con un arco (encuadre natural) lo importante a mi juicio de la imagen, la calle y el transeúnte y además como subexponiendo ese arco le he dado aun mas énfasis a la zona que quería reforzar..

"Máquina, del tiempo?" Fotografía basada en el encuadre . BTK 3.0 Ed. 2013 "Mäquinas"

En Fotografía, como en cualquier tipo de arte visual, el concepto concreto casi nunca es obvio, siempre se presta a la interpretación, no sólo del fotógrafo que construye la imagen, sino también del espectador que la contempla.
El fotógrafo tiene que decidir, y ese es el primer paso en la creación de una imagen fotográfica, como afrontar la representación de la idea o concepto que quiere transmitir y es en ese mismo momento, incluso antes de apretar el disparador de la  cámara, cuando  se comienza a marcar la diferencia entre el autor y el resto de fotógrafos, la idea y como afrontar su realización es una parte muy importante de la fotografía, si no la fundamental, pues al final, en mi opinión, lo mas importante es el mensaje, lo que se pretende transmitir pues la fotografía es un gran vehículo de expresión artística.

El fotógrafo puede concentrarse en el detalle o bien componer su imagen incluyendo un contexto amplio en el que situar al sujeto protagonista de la imagen, las posibilidades son infinitas, esa es la gran fuerza de la fotografía como medio de expresión.

La Fotografía que podéis ver a continuación puede servir como ejemplo de todo esto, no es una fotografía excepcional, pero ilustra muy bien lo que trato de explicar.

El compañero 1100D (un fotógrafo de la nitidez y la claridad) nos propuso como tema semanal "Máquinas", y esta es mi propuesta para esta semana, mi interpretación personal del reto propuesto por Pepe 1100D.

En este caso, tras intentar fotografiar la prensa de una Almazara de aceite de oliva y desestimarlo por las enormes dificultades para iluminar bien la maquinaria que se encontraba en un entorno bastante oscuro, me decidí por componer mi imagen con esta trilladora de principios del siglo pasado que se encuentra, a modo de adorno, en un polígono industrial cerca de mi casa, en la Villa de Altura (CS).

Aunque el concepto de máquina pueda ser muy amplio e incluso ambiguo, una máquina puede tener casi cualquier forma y tamaño, la imagen típica que la mayoría tenemos de una máquina como concepto es la de un aparato, mas o menos complejo, compuesto de un soporte o bastidor y partes moviles metálicas, bielas, rodamientos, cintas de transmisión, manguitos , tubos...y esta trilladora "Ajuria Vitoria" de principios el siglo pasado, en mi opinión, reunía todos los requisitos para formar parte de esa imagen representativa del concepto "Maquina" como tal y a partir de aquí, la elección del encuadre para crear la composición que potenciara esa imagen ha sido fundamental para construir mi fotografía de esta semana.

Podía haber escogido un encuadre amplio en el que contextualizar mi máquina,pero pensé que centrarme en una composición cerrada podría ayudarme a resaltar esas piezas que conforman de alguna manera la máquina en cuestión, tras escoger el tipo de encuadre y medir la exposición con un ISO mas elevado de lo que aconstumbro a utilizar por la escasa luz que había en ese lugar, el siguiente paso y lo que creo que le ha dado mas personalidad a la imagen ha sido el revelado y mas bien, el procesado en Ps.

Tras el revelado básico en ACR (Recuperación de blancos, contraste, niveles...) ya en Ps me incliné por un procesado estilo retro para acentuar la sensación de antigúedad de la máquina y el contraste entre la madera del bastidor y el metal de las piezas moviles, un procesado complejo que lleva unos 10 pasos. Después de esto le apliqué una serie de filtros y máscaras para darle cierto toque lomo que acentuara aun mas el contraste de las vetas de la madera y le diera esos tonos de color tan originales y este es el resultado, una fotografía sobre una máquina que intenta por medio del procesado pero sobre todo por medio de la elección del encuadre acercarse a la imagen que podemos tener sobre el concepto general de MAQUINA.

Si alguien quiere conocer en profundidad como se ha procesado en mi correo mancastillocollado@gmail.com   estaré encantado de responder a cualquier duda o curiosidad.

un saludo.

"Mas Frágil que una gota de agua..." (una gota de agua en una burbuja de jabón,,,) BTK 3.0 Ed.2013 semana 6: Tema: Fragilidad.

En alguna ocasión todos nos hemos sorprendido al contemplar fotografías sobre gotas de agua que el fotógrafo ha congelado mientras salpicaban al impactar sobre un líquido, tomas a veces de imagenes que parecen imposibles. Las fotografías sobre gotas son un tema recurrente que, bastante agradecido si conseguimos la toma adecuada, en alguna ocasión a lo largo del periodo de aprendizaje del fotógrafo todos hemos intentado realizar.

Fred McCullin dijo en una ocasión que "la Fotografía no puede cambiar la realidad, pero si mostrarla", y en este caso, lo importante no es ya tanto la interpretación subjetiva de la realidad por el fotógrafo si no tratar de mostrar la increíble realidad sin mas adornos.

En esta ocasión y bajo el tema semanal de la BTK "Fragilidad" que nos planteó Kainpower mi propuesta ha sido una imagen de una gota de agua salpicando pero, tras ver la interpretación espléndida del fotógrafo amigo Marc Cuscó de la gota en versión "multicolor", dándole una vuelta de tuerca al concepto de fragilidad basado en la gota, la idea final ha sido una gota de agua dentro de una pompa de jabón.

La cuestión suscitaba algunas dificultades técnicas precisamente por la extrema fragilidad de la burbuja de jabón, pero convencido de que era posible pues había observado en alguna ocasión que las gotas de agua pueden atravesar las burbujas sin explotarlas, decidí intentar ese reto, el resultado no ha sido estéticamente perfecto, pero he podido conseguir la ansiada foto que, al final, es lo que importa.

Normalmente los preparativos para realizar una toma de gotas de agua se suelen reducir a una bandeja mas o menos profunda llena de agua y un "cuentagotas" (además de los elementos técnicos habituales comunes a la mayoría de fotos de estudio o de producto, lamparas o flashes, reflectores, cámara...). pero en este caso, para conseguir además el plus de la burbuja atravesada por el agua, se necesitaba también agua jabonosa y una pajita o cañita de refresco, con la que, untándola de agua jabonosa y soplando a través de ella crear la burbuja sobre la superficie del agua.

Una de las claves para conseguir una buena foto siempre es un buen enfoque, algo que en este tipo de fotografías es mas complejo por el escaso contraste que suele presentar el agua en el recipiente, apara ello usé una cinta métrica de costura, la situé cruzando por el punto en el que quería dejar caer la gota en la burbuja y enfoqué sobre ella en modo manual fijando así el enfoque.

 Detalle de la cinta métrica en la que enfocar con mas precisión

Calculé la exposición que iba a iluminar con dos flashes esclavos mediante fotocélula (el sistema mas barato que hay para usar múltiples flashes ) cuidando de apuntar el flash principal hacia el techo para que no incidiera su luz apenas sobre la bandeja de agua y solo sirviera para disparar los otros puntos de luz esclavos.

Un detalle muy importante: para realizar esta fotografía de gota  de agua es imprescindible o bien un cable disparador o bien un disparador remoto por infrarrojos, de lo contrario es practicamente imposible coordinar el disparo y la gota para que coincidan en el tiempo y podamos tomar nuestra foto. En mi caso opté por disparador remoto por comodidad (decir que en la Canon 1100D sólo funciona el disparador remoto si se acopla un grip con receptor Ir integrado, pues la cámara carece de este receptor).

Tras estos preparativos, me armé de paciencia, y comencé la sesión, algunos fotógrafos dedicados a este tipo de fotografía afirrnman que para un fotógrafo poco iniciado en este tema de la gota, suelen ser necesarios entre 120 y 200 disparos aprox. para conseguir la imagen nítida de la gota, y que con la practica con entre 30 y 50 deberían ser suficientes. Decir que yo tuve suerte, en apenas 25 o 30 disparos conseguí captar la gota salpicando dentro de la burbuja.

Con la pajita de refresco, soplando, hice una burbuja que ayudandome de la misma pajita coloqué en el centro del recipiente y comencé el proceso de disparo y goteo.
Mi imagen tiene un fallo que solo conseguí paliar a medias con el procesado en Ps y que es necesario comentar para evitar que otros fotógrafos que se animen a intentar este tipo de fotos lo puedan cometer, el recipiente que utilicé tenía una textura muy pronunciada con lo que, al tener muy poca profundidad (un par de centímetros de agua apenas) emborronó con aparente falta de nitidez el resto del encuadre, afeando así la imagen final, es necesario un recipiente sin textura a ser posible completamente liso.

A continuación la imagen final:

Toma: Canon Eos 1100D con objetivo  canon 75-300 Ef-S f/4-5.6 con una distancia focal de 210 mm una apertura de f/8 a 1/200 y  1600 ISO

El procesado tan solo tiene una ligera corrección de niveles, recuperación de zonas sobreexpuestas en ACR y un filtro cálido al 32% para compensar los tonos demasiado fríos que resultaron. Lo dicho, estéticamente no es el mejor resultado pero no me negareis que la gota en el interior de una burbuja no es impactante.

La próxima semana una foto en B/N, tema semanal propuesto por el compañero Mario Pellitero, justo ganador de esta semana con su estupenda fotografía sobre fragilidad.
Saludos.

"Simply...sencillez de líneas". BTK3.0 Ed.2013. Semana 5

El grandísimo Robert Capa, genio de la fotografía de prensa que, consiguió de manera magistral hacer coincidir en su trabajo arte y compromiso social  con la verdad y que pasó a la posteridad, entre otras cosas, por ser el autor de la famosísima fotografía "muerte de un miliciano" en la que capta con gran dramatismo el momento en el que es alcanzado un miliciano republicano por una bala fascista causándole la muerte, todo un  icono fotográfico de la lucha por la Libertad contra los totalitarismos, dijo en una ocasión que "Si tus fotografías no son suficientemente buenas es porque no te acercaste lo suficiente.".
Y eso,  precisamente, es lo que he intentado hacer con esta imagen que, respondiendo al tema "Sencillez", he titulado "Simply...sencillez de líneas" y con la que buscaba un encuadre sencillo, con poco color, incluso con pocas tonalidades, con sobras poco definidas y sobretodo con poco dramatismo, he querido acercarme al objeto de la foto tanto como he podido para, de alguna manera, encontrar ese encuadre diferente, ese punto de vista original que pudiera convertir un objeto en apariencia simple en algo diferente.

Esta fotografía no tiene grandes secretos, se trata de la parte inferior de la estructura de uno de los maravillosos puentes que el arquitecto Santiago Calatrava proyectó para la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Como en toda su obra, el cuidadoso diseño de sus construcciones no descuida siquiera las partes menos vistas o funcionales, esta no es excepción, y la estructura inferior de sostén del puente tiene ese diseño depurado de líneas definidas y un color uniforme y luminoso que siempre que lo transitaba me llamaba poderosamente la atención.

 El encuadre, muy cerrado, buscaba una composición original que, manteniendo cierto equilibrio, compusiera una imagen sencilla e impactante a la vez, huyendo del dramatismo del contraste alto y los colores saturados. Buscaba sencillez.
Para encuadrar esta estructura tan grande, decidí ir al detalle y disparé desde lo alto de una escalera a metro y medio aprox. de distancia. La iluminación consistió en un par de flashes esclavos, disparados con fotocélula por simpatía con el flash integrado en mi canon 1100D y que contaban con difusores bastante opacos (al igual que el flash integrado) para evitar las sombras excesivamente duras.

Después de un par de pruebas, opté por subir el ISO a 400, tras medir la luz incidente, disparé a 1/100 s con una apertura f.4.5, bastante abierta pues quería tener en foco toda la imagen. Disparada con un objetivo Canon EF-S18-55 mm f/3.5-5.6 sin estabilizar, encuadré con una focal de 33mm.

El revelado y procesado de esta imagen no tiene ningún secreto, al estar correctamente expuesta desde la captura, no necesité recuperar luces ni ampliar la exposición en ACR, so único que se ha modificado es la temperatura de color y bajé ligeramente el contraste para "aplanar" de alguna manera la imagen.
Como se puede ver es una imagen sencilla de ver y de realizar y que se podría encuadrar en la Fotografía de arquitectura como detalle de ésta.

La próxima semana el tema propuesto por la compañera Lydiia, ganadora merecidamente de esta semana, es "Cielos". Hasta la próxima semana/entrada.
Saludos.

"A través de mi objetivo". BTK 3.0 Ed.2013. Semana3. "Aficiones"

La Fotografía no debe ser necesariamente un testigo fiel de la realidad, puede serlo o no, lo importante no es, en mi opinión, como es la realidad si no como la percibimos y que sentimos hacia ella. A veces en una misma fotografía pueden convivir diferentes realidades y en ocasiones, incluso ninguna. El increíble y atrevido fotógrafo norteamericano David LaChapelle dijo en una ocasión: "La gente dice que las fotografías no mienten. Las mías sí.".

La Fotografía es una afición absorvente, tanto es así que el fotógrafo nunca tiene suficiente, siempre busca una foto mejor, una imagen mas bella, una idea mas original, otra cámara mas, un nuevo objetivo a través del cual disparar, así que, cuando el compañero Kaiser 76  nos propuso como tema semanal en la BTK 3.0, "aficiones", llegué muy pronto a la idea que presenté, ¿porque no una exposición múltiple, aprovechando las ventajas de lo digital a la hora de manejar imagenes?...mi idea era componer una imagen que hablara de eso, de la afición, inconmensurable, de la Fotografía, y para ello, varios fotógrafos en uno, verdad y mentira, mirando al mundo y al espectador a través de sus cámaras, quizás fui muy ambicioso...

 En esta imagen  lo mas complicado fue la exposición, la captura, por ser un autorretrato múltiple, resultaba complejo calcular la posición e incluso fijar el enfoque para que "cuadraran" todos los fotógrafos, de hecho, en este sentido, hay un fallo en la composición, pues el segundo fotógrafo, encorvado que mira hacia la izquierda, no está bien centrado y además se encuentra muy cerca de la tercera figura.
Para encuadrar esta composición, me serví de una silla a la que enfocaba y me permitía calcular la posición que después ocuparía yo. Al disparar con la cámara fijada sobre un trípode y usar un disparador remoto, sólo tuve que añadir un retardo en el disparo de un par de segundos para terminar de colocarme en posición, eso si, realicé alrededor de una veintena de disparos con los mismos parámetros de apertura y velocidad para conseguir mas o menos un encuadre que me sirviera.
Lamentablemente una nube a travesó por delante del sol en una de las tomas y esta tiene una ligera diferencia de luminosidad, otro de los fallos que cualquier fotógrafo podría apreciar con facilidad.

El revelado y procesado de la composición fue mas fácil que la captura. En ACR recuperé un poco los blancos mas reventados, ajusté negros, contraste e intensidad, asegurándome de dar los mismos parámetros a las tres fotografías y después en Ps, sólo tuve que apilarlas por capas, que al tener el mismo fondo exactamente, resultó muy fácil de montar, tan sólo tenía que ir borrando de las diferentes capas la parte de fondo que debajo contenía figura (como soy un fotógrafo bastante vago, cometí un error al querer borrar mas rápido, hice una selección cuadrada para no pasarme y esto motivó el error mas grande de la imagen, una línea de corte en el suelo entre la segunda figura y la tercera). El error del suelo, he de confesar que lo vi claro después del retoque final de aprox. veinte pasos y, ya hemos dicho que soy un poco vago, no me apetecía volver a rehacer todo el proceso.

Cuando tuve todas las imagenes "acopladas" en una misma capa, tan sólo tuve que aplicar un retoque a toda la imagen cuyos pasos mas importantes son, la desaturación parcial de toda la foto (marca de la casa)  un filtro cálido al 35%, un ajuste de contraste y una capa de niveles para dotar de cierta personalidad a los tonos medios.

El resultado no está mal, quizás con ayuda o mas paciencia para la captura podría haber conseguido una mayor diagonal entre las tres figuras y sin duda, debería haber corregido la línea de corte en el suelo hacia la derecha, pero al fin y al cabo, sólo soy un aprendiz, no?...

Creo que el título le viene que ni pintado, "A través de mi objetivo" o, ¿debería haberla titulado a través de mis objetivos?...
Saludos.


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