miércoles, 5 de mayo de 2021

INANIMAD@S. inauguración de la Expo de la serie


El pasado viernes 30, inauguraba la alcaldesa de Segorbe la exposición sobre mi serie Inanimad@s, una serie de 20 fotografías monocromáticas sobre los cambios de valores en la sociedad actual.
Recordando que se trata de imágenes compuestas a partir de maniquíes y con una estética muy peculiar...


Con ésta exposición, enmarcada dentro del festival Imaginaria 2021 organizado por la UJI, la Universidad Jaume Primer de Castelló, he tratado de dar a conocer mi último proyecto hasta ahora.


Muy satisfecho con la postproducción, con el montaje expositivo y con la inauguración y su repercusión, he de decir que es una experiencia intensa y muy enriquecedora.
Ahora toca esperar la reacción del público y empezar a trabajar en el próximo proyecto...

jueves, 29 de abril de 2021

INANIMAD@S.

Como cada mayo, desde hace ya 18 años, la UJI, la Universidad Jaume Primer de Castelló, organiza el festival fotográfico IMAGINARIA, un festival en el que tomar el pulso a la actualidad de fotógrafos y tendencias visuales, resaltando además a artistas de la provincia...
Hasta ahora, junto con Fotomayo, un festival local integrado bajo el paraguas de Imaginaria, se han realizado exposiciones, talleres y masterclasses muy interesantes en su sede de Segorbe, Imaginaria se extiende por muchos municipios de la provincia castellonense, y este año, debido a la actual situación excepcional por la pandemia, se ha limitado a exposiciones y con un aforo limitado.
Junto con la, siempre interesante exposición colectiva de la AFS, este año mi proyecto Inanimad@s ha sido escogido para formar parte de la oferta expositiva. 
Se trata de una serie monocromática, a través de la cual pretendo invitar a reflexionar sobre el cambio y la pérdida de ciertos valores en la sociedad actual. 
Fotografías con una estética peculiar. Imágenes en las que las personas son sustituidas por seres inanimados como reflejo de una sociedad que, en cierto modo, está desanimada porque...que son si no los maniquíes que un triste reflejo de lo que creemos ser, de lo que pretendemos ser?...

Afronto este reto con mucha ilusión, es la primera vez que expongo en solitario, un serie mía, un proyecto personal y en cierto modo me parece algo así como un salto al vacío.

La serie me ha costado un par de años completarla, en parte por los problemas derivados de la actual situación sanitaria, la Expo se tenía que haber celebrado el pasado mayo y obviamente no pudo ser, pero por otra parte, ésta dificultad ha servido para darme más tiempo y mejorar el proyecto, cambiando, por ejemplo algunas imágenes por otras más recientes que me parecen más interesantes...

He contado con la colaboración de un compañero y sobretodo gran amigo, J. Llop ( de jllopfotografia) y de la aportación de un gran texto a modo de prólogo y presentación de J.M. López Blay.

En fin, una apuesta en la que he intentado volcar mi mejor intención, una postproducción muy cuidada y he sumado todos los elementos que he considerado que podía añadir valor a esta serie que espero que quienes os podáis acercar hasta la sala de exposiciones, podáis disfrutar aunque sea una pequeña parte de lo que lo he hecho yo realizándola.


domingo, 13 de septiembre de 2020

Los límites de la Fotografía (Árbol subjetivo)

 

  A través del desarrollo de las últimas tecnologías, sobretodo la digitalización de los equipos fotográficos, y aún más con el desarrollo del software de postproducción, llámese Photoshop, Lightroom, Capture One u otros, los tradicionales límites de la Fotografía se han diluído hasta desaparecer completamente, la Fotografía como "notario de la realidad" es un concepto obsoleto ya y la percepción que algunos artistas de otras disciplinas tenían de la Fotografía, como un arte menor, han dejado de tener sentido.

Actualmente el Fotografo puede con la ayuda de su equipo y del, mayor o menor, manejo del magnífico software de tratamiento de la imagen, conseguir cualquier imagen que desee, el único límite es su IMAGINACIÓN...

Como en el caso de esta imagen a la que he titulado "Árbol subjetivo" pues es una imagen que ha surgido solamente de mi imaginación...

 

 

 Una imagen que, si bien se ha producido en muchas ocasiones en el pantano de El Regajo (y en otros muchos pantanos y lagos, en épocas de crecidas) en ésta ocasión es una imagen "cosntruída" por la combinación de varias imagenes que por separado tienen connotaciones muy diferentes pero que, mezcladas con el software apropiado pueden convertirse en una composición bastante resultona.


Esta imagen comienza con la fotografía de un cielo, un cielo fotografiado en uno de mis paseos por la cercanía de casa (tengo la gran suerte de vivir en un entorno privilegiado) losprimeros días después del desconfinamiento.



Despúes de contrastar un poco la foto y de subir ligeramente la saturación, de esa misma foto he tomado una parte para "fabricar" el reflejo del agua de la parte inferior... (copiando una franja, volteándola verticalmente y después desenfocándola).



 Mas tarde es cosa de añadir el árbol, en éste caso "creado de la nada" con un filtro de Photoshop, un fltro configurable quee permite por ejemplo decidir como serán las ramas, la altura y grosor del árbol o lo tupido de sus ramas...


Tras ésto, he copiado el árbol, después lo he voltado verticalmente, he deformado un poco su perspectiva para hacerlo mas creíble y lo he desenfocado imitando como se vería su reflejo en una agua muy quieta sin olas...


Tras añadir éste último elemento, tan sólo quedaba ajustar ciertos parametros como la iluminación, el tono y sobretodo la saturación para conseguir ese efecto ligeramente brumoso y evocador...

Tras esto el resultado final es la imagen del principio que, creo modestamente, que no termina pareciendo muy irreal...

¿Que os parece?, ¿os gusta el resultado?...

Como decía, la Fotografía ha dejado de tener límites, aunque he de decir, en honor a la verdad, que hay much@s fotógraf@s que opinan que esto no es verdaderamente Fotografía, pero...acaso importa con que pincles pintó el Gran Velazquez Las Meninas?

 


viernes, 10 de julio de 2020

La importancia del Título en (algún tipo) de Fotografía...


En Fotografía, los puristas suelen afirmar que las imágenes deben hablar por si solas, es decir, algo así como que si tu fotografia no es capaz de transmitir lo que deseas sin pie de foto alguno, es que No estás haciendo buenas fotografías.
Esto es algo recurrente que he escuchado en muchas ocasiones de boca de fotograf@s con criterio, en exposiciones, talleres fotográficos o reuniones de aficionados y, he de decir, con lo que no estoy totalmente de acuerdo...
Es cierto que para un gran número de fotografías el título puede ser irrelevante, pero en ocasiones puede ayudar a concretar el mensaje del autor cuando este mensaje, por razones estéticas o de cualquier otra clase, puede no ser tan obvio como uno desearía.
El titulo, incluso un pie de foto u otra clase de explicación, pueden ser de gran ayuda en imágenes cuyo mensaje puede resultar confuso o ser susceptible de ser malinterpretado. Textos pues, que pueden apoyar el contexto de la imagen y reforzar o facilitar el mensaje que con el lenguaje fotográfico puede en ocasiones resultar insuficiente.
Siempre he pensado que una fotografía no está terminada cuando se oprime el botón de liberar el obturador, ni siquiera cuando el autor la ha procesado o retocado en post producción, creo que ni siquiera está terminada al ser colgada de un muro de una sala de exposición, realmente una fotografía, para mi, está terminada cuando es interpretada por quien la está contemplando, aunque esa interpretación difiera de la que pretendía el fotógrafo y no por ello, la mayoría de las veces es una interpretación equivocada o peor.

En esta instantánea de titulo "Aislados" perteneciente a la serie "Inanimad@s" su titulo, creo, ayuda a acotar la interpretación de la imagen pues puede resultar en cierto modo confusa...

La serie ¨Inanimad@s", un proyecto peronal que, en un principio, estaba destinado a exponerse en el festival fotoMayo de 2020 y que, por razones obvias, se ha tenido que suspender en su formato físico, trata de ser una crítica a la deriva que está teniendo en los últimos tiempos la sociedad occidental, individualismo, aislamiento social de parte de la juventud, sustitución en gran manera de las relaciones interpersonales de cercanía, físicas, por relaciones virtuales, pédida de ciertos valores...por las características concretas de la serie, su peculiar estética, su lenguaje fotográfico quizás algo complicado o la complejidad del mensaje en si, necesita del refuerzo de un título adecuado u otra clae de apoyo de texto para hacer llegar de mejor manera el mensaje que se pretende transmitir...

Bien es cierto que hay también multitud de Fotografías que no necesitan de título alguno por su temática o su expresividad, paisajes, retratos formales, etc...
Como ejemplo de ésta último la siguiente imagen de un paisaje de aquí, de Altura...

Obviamente es una fotografía elocuente que no necesita de titulo o explicación alguna...






domingo, 1 de marzo de 2020

Rayos de sol visibles (y protagonistas) en nuestras fotos de paisajes

Cuando fotografiamos un paisaje, a todos nos gusta añadir ese pequeño plus que le da mas vida a la imagen captada, éste pequeño plus puede ser un poco de niebla no muy intensa que dé cierto romanticismo a nuestra foto, o esos rayos de sol filtrándose a través de las nubes, con intensidad, que cruzan el cielo dejando esas bonitas franjas...
En algunas ocasiones, en no muchas tambíen hay que decirlo, podemos captar este tipo de efectos un poco como por casualidad, pero esto es raro y escapa normalmente a nuestro control.
Así pues, si pretendemos que nuestras fotografías tengan, además de una buena exposición, un buen enfoque y una estupenda coposición, ese pequeño plus determinante como unos rayos de sol cruzando el cielo tendremos que conocer cómo conseguirlos sin dejar el resultado al azar.
Pero vayamos por partes, primero debemos saber por que se produce este efecto, por que en algunas fotografías se distinguen claramente los haces de luz, esto es, ni más ni menos, que por la reflexión de estos rayos luminosos en algun cuerpo, esto es precisamente lo que nos permite distinguirlos.
Humedad en el ambiente en forma de neblina tenue, polvo en suspensión...estos elementos, cuando el sol brilla intensamente y existe en nuestro "escenario" cierto contraste entre luces y sombras, produce este fenómeno tan resultón.
Si nuestra foto se trata de un paisaje, ayudan ciertos filtros ópticos (de cristal para anteponer frente al objetivo de nuestra cámara) como los filtros de densidad neutra o ND, que ayudan a contrastar nuestra imagen y ver mejor éste efecto.
Debemos disparar nuestra cámara hacia el sol en un ángulo entre 45 y 180 grados, usar una apertura cerrada como un f11 o menor, aumentará la profundidad de campo e intensificará la difracción de la luz.

En el caso de este paisaje (Valle de la Orotava, Tenerife), no tuve necesidad de filtros porque había una tenue neblina que producía este efecto de forma natural simplemente con un diafragma cerrado (y un poco de contraste extra en Photoshop para potenciar un poco el efecto)...

Si tratamos de realizar una foto con este ambiente luminoso en un paisaje normal, con proximidad, como un bosque, etc. podemos usar unas pastillas de humo muy baratas que venden en ciertas páginas chinas, o un spray de humo para fotógrafos, puesto que ese humo propiciará esa reflexión (difracción) necesaria para que los rayos de sol se vean bien. Levantar un poco de polvo del suelo puede ser también suficiente...
Algo importante que propicia este efecto es "tapar" con alguno de los elementos de nuestra composición, como un árbol, un edificio, etc... el sol directo, sin esto difícilmente conseguiremos el efecto deseado.

En interiores, el procedimiento no es muy diferente, si la estancia es un lugar abandonado, simplemente levantando polvo nos será más fácil conseguir la imagen que queremos...

En resumen, un medio que refleje el rayo de sol, un sol intenso y directo, el ángulo apropiado (entre 45 y 180 grados) entre la cámara y la fuente de luz, un ISO bajo y una apertura cerrada, son todo lo necesario para conseguir este efecto...
Espero que os haya sido útil esta entrada...
Ahora a afotar!!...



domingo, 23 de febrero de 2020

Lenguaje Fotográfico

A menudo, centrados en aspectos técnicos como la exposición, la profundidad de campo (o la obsesión de much@s fotograf@s por conseguir la Nitidez absoluta), obviamos uno de los aspectos más importantes en una buena fotografía, lo que, en mi opinión, es fundamental para que una imagen conmueva realmente: El LENGUAJE FOTOGRÁFICO.

Se trata de una suerte de Gramática visual, una Sintaxis de lo perceptible, una forma de conformar dentro de nuestra composición todos los elementos, tanto técnicos como de contenido y que constituyen un discurso visual iteligible.

Éste discurso es intencionado y con él, el Fotográfo busca un efecto determinado en el observador, modula con la propia gramática de la imagen un mensaje con el que pretende expresarse, convirtiendo a la Fotografía en un vehículo de expresión artística excepcional.

En ocasiones se tiende a confundir el Lenguaje Fotográfico con el estilo personal del Fotógrafo, confundiendo así una parte con el todo.
El Lenguaje Fotográfico consta de una gran variedad de elementos que podríamos considerar como una Gramática Visual y que el Fotógrafo, con su propia sintaxis peculiar,emplea con mayor o menor acierto para construir su propio discurso.
Ya no se trata de simplemente adecuar acertadamente los elementos compositivos de nuestra foto ordenadamente en un buen encuadre encontrando, además, la exposición correcta para la iluminación escogida y la profundidad de campo que buscamos, el color, el contraste y los diferentes sujetos de la imagen tienen la misma importancia para el resultado final y lograr esa imagen que transmite el.mensaje que queremos compartir.
Ayuda a entender el propósito del autor y comprender realmente, a través de la narrativa visual que ha empleado, el significado ulterior de la imagen...

El Lenguaje Fotográfico, su narrativa, su propia gramática, nos conduce a entender el mensaje que el Fotógrafo, a través de los sujetos fotografiados, pretende representar, que implicaciones supone, que interpretación de la foto podremos hacer...

miércoles, 4 de mayo de 2016

Sesión Jacqueline Moda (danza & moda)


Siempre se ha dicho que el Hombre, mejor, el Ser Humano, es la medida de todas las cosas...esta afirmación es especialmente importante en el Arte y por supuesto, en la Fotografía...

La fotografía, como vehículo de expresión artística, gracias a los avances tecnológicos, ha perdido los últimos límites, ha dejado de ser un "arte menor", un mero "notario" de la realidad para convertirse en Arte simplemente, y por tanto hay tantas miradas como artistas o Fotógrafos y una variedad ilimitada de temas que representar a través de nuestras composiciones...

Pero lo cierto es que, sin menospreciar ninguna representación fotográfica, son las imagenes que nos muestran seres humanos, cuyos protagonistas son las personas, las que nos terminan por conmover...



Por regla general no suelo hacer este tipo de fotografías, pero aquí se pueden ver algunas de las imagenes de la sesión en la Escuela de Danza de Inma Muñoz para Jacqueline Moda...lo cierto es que resultó una experiencia muy divertida e interesante...

Se me pidió que en las fotos reflejara, en cierto modo, una especie de fusión entre moda y danza. Las modelos eran bailarinas y de alguna manera eso se nota en la forma de posar...


El lugar, la Escuela de Danza de Inma Muñoz, se prestaba a múltiples posibilidades, gran cantidad de luz natural, un espacio muy amplio...pero sobretodo, la colaboración de las chicas...






Decidí "dejar" la famosa barra de la sala de baile de la Escuela por sus connotaciones, me pareció que ayudaba a crear la atmósfera relacionada, en cierto modo, con la danza...



Las fotos tienen diferentes procesados en función, sobretodo, de la importancia del color en las características de la prenda en cuestión...



En fin, una experiencia para repetir sin duda, algo diferente a lo que suelo hacer y que ofrece, además de muchas posibilidades, muchas satisfacciones...


Como decíamos al principio de esta entrada. el Ser Humano es la medida de todas las cosas...

domingo, 28 de febrero de 2016

Calvario en tonos cálidos. Procesado deaturado y tintado cálido..

Generalmente la foto está en la cabeza del fotógrafo antes de oprimir el disparador de su cámara, incluso antes de mirar a través del visor...a veces, en un simple vistazo, no sólo se tiene la foto, si no que se tiene incuso la idea de como revelarla, de como procesarla...

Alfred Eisenstaedt, gran fotógrafo, famoso entre otras cosas por su fotografía de un marinero besando a una enfermera en Times square durante la celebración de la victoria norteamericana sobre Japón en la segunda Guerra mundial,  dejó dicho que "Lo más importante no es la cámara, sino el ojo." y ese ojo, el ojo del Fotógrafo,  es quien, no sólo compondrá la imagen sino que acabará transformando la realidad, sus colores, tonos y perspectiva para transmitir un punto de vista, un mensaje subjetivo, una manera de entender esa realidad totalmente peculiar...

Cuando me encontré con este Calvario, o lo que queda de él, desde ese punto de vista, desde ese ángulo, tuve claro desde el principio que quería encuadrar de esa manera y que quería representarlo, finalmente, en tonos cálidos y al mismo tiempo oscuros...como de bronce y este es el resultado.

Revelado básico en Camera Raw y después desaturado parcial, máscara de transparencia para que el efecto desaturado sea menos intenso en el cielo.
Siete capas de diferentes rellenos de color en tonos cálidos y de diferente opacidad, y un par de capas de ajuste de curvas y niveles. Una capa de relleno degradado de tono ocre. Ajuste de brillo y contraste final y este es el resultado...

domingo, 14 de febrero de 2016

"Pobre o Libre..." La Fotografía como testigo de la realidad.

Steve McCurry dijo en una ocasión: "Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz."  y a veces, ni siquiera es necesario esperar mucho. Yo siempre he defendido la idea de la Fotografía como vehículo de expresión artística y que un fotógrafo no debía ser necesariamente un "notario de la realidad" pero hay ocasiones en las que el fotógrafo no sólo no debe modificar esa realidad, si no que debe hacer uso de ella para plasmar una realidad importante e incluso incómoda...

Cuando realicé esta fotografía, que pronto va a formar parte de la exposición colectiva de la Federación Levantina de Fotografía en Festimatge, el festival internacional de Calella, lo creáis o no, mi única preocupación fue conseguir dotar a este retrato de la Dignidad que, no sólo merece la persona fotografiada, si no que además transmitía desde su situación de extrema pobreza...

Creo que esto, conseguir un retrato que resaltara la dignidad como ser humano, mas allá de la situación en la que se encontraba, de la persona que encaraba su mirada hacia el objetivo de mi cámara, era la cuestión mas importante de la realización de esa fotografía. Reto superado. Se podrá valorar mejor o peor desde el punto de vista técnico o artístico el resultado final de esta imagen, pero desde luego no se me podrá achacar que no consiguiera un retrato digno de ese hombre...

Se puede, a veces hasta se debe, compatibilizar la estética fotográfica personal que, a modo de cierto estilo peculiar, a uno le gusta imprimir en las imagenes que construye sin que por eso se pierda la esencia de esa realidad, muchas veces incómoda, que tratamos de representar en nuestras fotografías. Creo que este es uno de esos casos.

Si una fotografía la construye el Fotógrafo pero también el espectador que la contempla, es por tanto tarea de todos valorar en su justa medida las consecuencias y las implicaciones que el mensaje contenido en la imagen nos muestra.

La Fotografía, como cualquier otra manifestación artística, además de vehículo de transmisión artística y estética, puede ser testimonio social y crónica de un tiempo sin que por ello deje de lado su faceta plástica. Simplemente  requiere de una ética que no ahonde en el problema si no que lo presente en toda su dimensión y si puede ser, con cierta estética narrativa que  dote de un plus a la información contenida...




miércoles, 20 de mayo de 2015

Imaginaria 2015. FotoMayo`15 en Segorbe.




Con la llegada de la primavera llega también Imaginaria 2015, un año mas el festival con el que tomar el pulso a la actualidad de la Fotografía, nos ofrece multitud de exposiciones fotográficas y otras actividades relacionadas con la imagen.

Como viene siendo habitual en los últimos años, la Universidad Jaime I de Castelló con la colaboración de agrupaciones de fotógrafos y ayuntamientos de la provincia, presenta un programa mas que interesante a través del cual conocer, y disfrutar, de la obra de grandes artistas consagrados y de reconocido prestigio, así como de fotógrafos emergentes e incluso, artistas que están empezando, en una oferta fotográfica muy variada tanto desde el punto de vista temático, como artístico o técnico. Se trata de  36 exposiciones y 14 actividades complementarias de gran calidad.


 
Imaginaria, el festival de la imagen de Castelló y su provincia, tiene desde  hace un tiempo un vínculo muy estrecho con Segorbe, a través de su agrupación de fotógrafos y el apoyo de su ayuntamiento, incluye entre sus actividades el festival FotoMayo que, organizado por la agrupación local y apoyado por el ayuntamiento segorbino, ofrece una serie muy interesante de exposiciones y otras actividades entre las que cabe destacar, este año, la exposición de Ángel Sanchez, "El sueño de una noche de verano", en la que nos muestra una colección de imagenes sobre el FIB, el festival Internacional de Benicassim, desde un punto de vista personal, o la magnífica exposición de Toni Duarte, "Siete pecados capitales", una espectacular serie con un gran trabajo no sólo de realización,  sino de postproducción que no deja a nadie indiferente.

 "Lujuria" de Toni Duarte ("Siete Pecados capitales")

Cincuenta exposiciones dan para muchas líneas de blog, demasiadas, y en Fotografía lo importante, para mi, es la imagen final, lo que representa y lo que transmite, por lo que estáis invitados a pasar por cualquiera de estas magníficas exposiciones para comprobar la enorme vitalidad que tiene en la actualidad la Fotografía que, seguro, disfrutareis mas que con esta pobre reseña mía.

Para acabar no quiero dejar escapar la oportunidad para recomendar una expo en concreto en la cual tengo la satisfacción de haber podido colaborar con una de mis fotografías, se trata de la exposición colectiva de la agrupación fotográfica Segorbe, a la cual pertenezco desde no hace mucho tiempo aún, y que con el título "In terra vivo", ofrece una serie de miradas personales de los miembros de la agrupación sobre un tema muy importante para estas tierras. "In terra vivo" intenta bucear en las causas y en las consecuencias del progresivo abandono del medio rural, sobre todo de la forma de vida tradicional y sostenible en aras de una economía de consumo que conlleva el abandono paulatino de éstas tierras y de sus usos y constumbres. Las zonas rurales pierden al mismo ritmo que su población, sus señas de identidad y al final, cuando se pierden las raíces se pierde el verdadero sentido de comunidad.



Aquí os muestro una pequeña muestra de esta exposición con la Fotografía que realicé cerca de Barracas en la provincia de Castelló, una zona rural en la que hay diseminadas multitud, literalmente, de masías y casas de campo abandonadas, y que ofrecen una gran sensación de soledad y abandono...


 "Soledad" (Abandono) por man_castillo

De verdad un festival muy recomendable con grandes obras de magníficos fotógrafos que seguro que os resulta muy interesante...

Se puede descargar el programa completo en este enlace: http://ujiapps.uji.es/cultura/base/au...


martes, 3 de febrero de 2015

La importancia de las sombras en la Fotografía. "caminos a ninguna parte"

La Fotografía es esencialmente luz, esta obviedad que todos conocemos nos esconde otra cualidad de la Fotografía que, a menudo, cobra tanta importancia como la luz y que constantemente suele ser ignorada: "La Sombra".
En Fotografía La Luz y La Sombra forman dos caras de una misma moneda, está claro que una fotografía sin sombras, sólo con luz, al final no sería mas que un papel en blanco.

A mi, personalmente, siempre me ha interesado un tipo de Fotografía que, por encima de consideraciones técnicas, de cuya importancia nadie duda, es capaz de transmitir una idea, un concepto o una sensación mas o menos intensa. Creo firmemente en la Fotografía como vehículo de expresión artística y que una imagen debe conmover, bien sea por lo que muestra o por lo que insinúa y que una fotografía que te hace reflexionar sobre lo que muestra es un éxito del Fotógrafo.

Muchas veces una sombra o el espacio negativo cobran un gran protagonismo en una composición fotográfica, de lo que insinúan o de lo que esconden nos invitan a una reflexión, lo que se puede intuir tras una sombra en muchas ocasiones es mas elocuente que lo que la luz nos deja ver, a veces es tan importante una ausencia determinada que la presencia que se nos muestra claramente.

En las siguientes imagenes he intentado otorgar protagonismo a las sombras para dotar de cierto dramatismo a la imagen, buscaba imagenes que produjeran cierta desazón, que transmitieran oscuridad, tenebrosas, misteriosas...
Todas han sido iluminadas con una linterna, tienen un procesado complejo y el resultado final creo que otorga el mismo protagonismo, sino mas, a las sombras que a las iluminaciones...


                                                                  "Escalera a la oscuridad"







                                                                 "Escalera a ningún lugar"



  
                                                                "En lo mas profundo del bosque"


sábado, 29 de marzo de 2014

"Encuadre natural" Una ayuda a la composición. Fotografía: "El Portalico" (Calle Empedrado, Altura. Castelló)

Marcel Duchamp, gran pintor e impulsor del movimiento pop en el arte, opinaba que "no son los pintores sino los espectadores los que hacen los cuadros" pues, y esto lo añado yo, sin la interpretación última del espectador, cualquier obra de arte, incluso la Fotografía, carece de sentido.
Al espectador hay que ayudarle a interpretar la imagen, esto forma parte del proceso creativo si se pretende transmitir un mensaje, una idea o una sensación concreta, hay que, en cierto modo, dirigir su atención, guiar a sus ojos hacia donde queremos hacerle llegar, y para esto en una obra artística no se puede dejar nada al azar, todo elemento encuadrado en a imagen debe tener, no sólo un sentido coherente, sino una situación dentro del espacio que conforma esa obra y en la mayoría de las ocasiones, es necesario enfatizar ese elemento fundamental para hacerlo mas inteligible.

La atención del observador, en el caso de la Fotografía, se puede dirigir por medio de varias técnicas, que pueden ser concurrentes en una misma imagen, no muy diferentes de las empleadas en la Pintura. La mas habitual es por medio del enfoque y con éste con el control de la profundidad de Campo o PDC, ésta determina la "franja"  de la imagen que podemos contemplar con nitidez por delante y detrás del sujeto enfocado, así pues, desenfocando, o lo que es lo mismo, dejando borroso el fondo conseguimos dirigir la mirada hacia el sujeto protagonista que es el que se podrá contemplar con nitidez y detalle, este es e método mas usual para conseguir centrar la atención en lo importante, aunque como veremos a continuación, no el único.

Otro método para guiar al ojo del espectador sería por medio de la iluminación,  mediante el cual, iluminando ciertas partes de la escena y dejando menos iluminadas, incluso en penumbra o total oscuridad otras, damos énfasis a lo que consideramos mas importante dentro de la composición, esto se puede conseguir a través de la iluminación y la exposición, incluso podemos potenciarlo posteriormente en un revelado por zonas.

Desde el punto de vista compositivo, un método menos usual para conseguir concentrar la atención en lo que queremos enfatizar como elemento mas importante de la imagen sería lo que se ha dado en llamar "Encuadre natural" y que generalmente en combinación con los métodos que hemos descrito antes, permite una manera mas plástica de señalar lo fundamental de nuestra fotografía. Aprovechando el marco que nos puede brindar alguno de los elementos "secundarios" de la imagen, tales como portales, árboles, ventanas, oquedades naturales en las rocas, arcos u ojos de puentes,m etc. podemos encuadrar a través de estos al sujeto principal, guiando la mirada del espectador hacia él, dándole así protagonismo.

Si además iluminamos menos o incluso subexponemos el área de estos "marcos naturales" podemos intensificar este efecto. Incluso se puede utilizar a personas que situándolas de forma que miran hacia el punto de interés de nuestra foto guían la mirada del espectador pues todos hemos comprobado en alguna ocasión como si un grupo de personas mira en una dirección determinada, todos los que los contemplan acaban mirando también en esa misma dirección.

Cualquiera de estos métodos pueden ser validos para componer correctamente nuestra imagen y conseguir el efecto deseado en el observador pues, al final es la complicidad con el espectador la que nos lleva a una buena fotografía ya que una fotografía, al final, se construye entre el fotógrafo y el espectador que la interpreta.



En el ejemplo que propongo se puede ver claramente por un lado como he encuadrado con un arco (encuadre natural) lo importante a mi juicio de la imagen, la calle y el transeúnte y además como subexponiendo ese arco le he dado aun mas énfasis a la zona que quería reforzar..







domingo, 9 de marzo de 2014

"Al final del camino" (Tétrico, oscuro) BTK 3.0 Ed.2014 . Procesado protagonista.

El gran Ansel Adams dejó dicho que "hay dos personas en una fotografía, el fotógrafo y el espectador", es la complicidad de ambos la que puede conseguir o no esa fotografía que pueda llegar a conmover.

En ocasiones, no es tan importante la técnica como la sensación que puede transmitir  una imagen, aspectos, por lo general importantes, como el enfoque, , la nitidez, la ausencia de "ruido electrónico" e incluso la exposición, se pueden sacrificar en aras de la imagen que buscamos.
Yo que me considero uno de esos fotógrafos para los que lo importante es la imagen final sin otorgar excesiva importancia a la técnica o los medios empleados para llegar a ella, siempre he valorado sobretodo la estética y las sensaciones que transmite una fotografía, su mensaje implícito sin considerar los aspectos teóricos o técnicos que además pueda atesorar.

Del mismo modo que puedo contemplar una escultura admirando su belleza plástica y artística sin reparar en ningún momento en las herramientas o procedimientos que ha podido utilizar el artista para llevarla a cabo, que importancia puede tener para mi la calidad del cincel o si el escultor era zurdo o diestro, si al final lo importante es que ha conseguido conmoverme la belleza de su obra o el mensaje que ésta encierra, así puedo contemplar una fotografía en la que no es necesariamente imprescindible plantearse que elementos consideró el artista para llegar a la imagen que nos presenta.

No quiero decir con esto que la técnica no sea importante, la Fotografía es un arte en el que para su desarrollo se emplean herramientas de extremada precisión, en las que es fundamental conocer y dominar a fondo la técnica, pues solamente dominando ésta podemos llegar a realizar buenas fotografías, que estas buenas fotografías  puedan llegar a convertirse en, además, grandes fotografías es algo que trasciende al mero dominio de esta técnica, en donde entra en escena la sensibilidad del fotógrafo.

En esta ocasión el tema, propuesto por mi mismo como ganador de la anterior semana, es "Tétrico, oscuro" con el que esperaba imagenes opresivas, inquietantes.
Mi defensa del tema, a la que he titulado "Al final del camino", buscaba producir una sensación opresiva como de amenaza inconcreta que envuelve al espectador y creo que he podido acercarme al resultado que pretendía con el procesado duro que le he dado.
 La Fotografía se expuso desde cierta distancia para contextualizar el edificio y añadir por delante esa especie de "claro de luna", se trataba, precisamente de lograr un entorno que produjera cierta sensación de  amenaza.



Tras el revelado básico en A.C.R. ( temperatura de color, exposición, luz de relleno, negros, corrección de lente, ruido, niveles...) ya en Ps oscurecí las sombras y los medios tonos con niveles y tras aplicarle varias capas de ajuste rellenas con diferentes colores y distintas opacidades, apliqué un filtro de desenfoque, subí el contraste para darle cierto dramatismo, apliqué un filtro cálido R-81 al 33% para dotar a la imagen de una sensación de virado cálido y por último, una viñeta muy extensa para por un lado centrar la atención sobre la fachada y el claro y por otro lado para dar mas oscuridad a toda la composición.

Creo que el resultado se parece bastante a lo que andaba buscando, una imagen inquietante y sobre todo oscura y tétrica a la vez...

viernes, 14 de febrero de 2014

"Máquina, del tiempo?" Fotografía basada en el encuadre . BTK 3.0 Ed. 2013 "Mäquinas"

En Fotografía, como en cualquier tipo de arte visual, el concepto concreto casi nunca es obvio, siempre se presta a la interpretación, no sólo del fotógrafo que construye la imagen, sino también del espectador que la contempla.
El fotógrafo tiene que decidir, y ese es el primer paso en la creación de una imagen fotográfica, como afrontar la representación de la idea o concepto que quiere transmitir y es en ese mismo momento, incluso antes de apretar el disparador de la  cámara, cuando  se comienza a marcar la diferencia entre el autor y el resto de fotógrafos, la idea y como afrontar su realización es una parte muy importante de la fotografía, si no la fundamental, pues al final, en mi opinión, lo mas importante es el mensaje, lo que se pretende transmitir pues la fotografía es un gran vehículo de expresión artística.

El fotógrafo puede concentrarse en el detalle o bien componer su imagen incluyendo un contexto amplio en el que situar al sujeto protagonista de la imagen, las posibilidades son infinitas, esa es la gran fuerza de la fotografía como medio de expresión.

La Fotografía que podéis ver a continuación puede servir como ejemplo de todo esto, no es una fotografía excepcional, pero ilustra muy bien lo que trato de explicar.

El compañero 1100D (un fotógrafo de la nitidez y la claridad) nos propuso como tema semanal "Máquinas", y esta es mi propuesta para esta semana, mi interpretación personal del reto propuesto por Pepe 1100D.

En este caso, tras intentar fotografiar la prensa de una Almazara de aceite de oliva y desestimarlo por las enormes dificultades para iluminar bien la maquinaria que se encontraba en un entorno bastante oscuro, me decidí por componer mi imagen con esta trilladora de principios del siglo pasado que se encuentra, a modo de adorno, en un polígono industrial cerca de mi casa, en la Villa de Altura (CS).

Aunque el concepto de máquina pueda ser muy amplio e incluso ambiguo, una máquina puede tener casi cualquier forma y tamaño, la imagen típica que la mayoría tenemos de una máquina como concepto es la de un aparato, mas o menos complejo, compuesto de un soporte o bastidor y partes moviles metálicas, bielas, rodamientos, cintas de transmisión, manguitos , tubos...y esta trilladora "Ajuria Vitoria" de principios el siglo pasado, en mi opinión, reunía todos los requisitos para formar parte de esa imagen representativa del concepto "Maquina" como tal y a partir de aquí, la elección del encuadre para crear la composición que potenciara esa imagen ha sido fundamental para construir mi fotografía de esta semana.

Podía haber escogido un encuadre amplio en el que contextualizar mi máquina,pero pensé que centrarme en una composición cerrada podría ayudarme a resaltar esas piezas que conforman de alguna manera la máquina en cuestión, tras escoger el tipo de encuadre y medir la exposición con un ISO mas elevado de lo que aconstumbro a utilizar por la escasa luz que había en ese lugar, el siguiente paso y lo que creo que le ha dado mas personalidad a la imagen ha sido el revelado y mas bien, el procesado en Ps.





Tras el revelado básico en ACR (Recuperación de blancos, contraste, niveles...) ya en Ps me incliné por un procesado estilo retro para acentuar la sensación de antigúedad de la máquina y el contraste entre la madera del bastidor y el metal de las piezas moviles, un procesado complejo que lleva unos 10 pasos. Después de esto le apliqué una serie de filtros y máscaras para darle cierto toque lomo que acentuara aun mas el contraste de las vetas de la madera y le diera esos tonos de color tan originales y este es el resultado, una fotografía sobre una máquina que intenta por medio del procesado pero sobre todo por medio de la elección del encuadre acercarse a la imagen que podemos tener sobre el concepto general de MAQUINA.

Si alguien quiere conocer en profundidad como se ha procesado en mi correo mancastillocollado@gmail.com   estaré encantado de responder a cualquier duda o curiosidad.

un saludo.

martes, 28 de enero de 2014

Retrato al aire libre, Procesados variados.

La figura humana, especialmente la femenina, junto a la naturaleza, el paisaje, es uno de los temas mas recurrentes de la fotografía a lo largo de la historia, y por tanto, todo fotógrafo, independiente de la experiencia o los conocimientos que posea, dedica su atención en algún momento a la fotografía de retrato, bien sea formal o informal. El retrato como cualquier otra forma de fotografía posee además de una gran fuerza visual infinitas posibilidades.

Lejos quedaron los días en los que los extraordinariamente largos tiempos de exposición obligaban, literalmente, al fotógrafo a realizar retratos formales demasiado estáticos, con el paso del tiempo y los avances en la Fotografía, sobre todo en estos últimos años con la Fotografía digital, el retrato ha pasado del simple encuadre frío y estático a un modelo muy versátil de expresión artística para el fotógrafo, informal, de ambiente, surrealista...el retrato ha dejado de estar encasillado y restringido a la pose de salón.

En esta entrada propongo una serie de imagenes fruto de la sesión que realicé con una amiga que se prestó de modelo para componer unos retratos informales en un escenario peculiar, las vías el tren y las ruinas de lo que fue un Batán. Esta serie, tiene como única continuidad el tema pues la técnica de revelado y procesado es muy diferente entre tomas, para mi, una oportunidad de practicar diferentes visiones de procesar unas imagenes en principio sencillas.

Es en gran medida el postprocesado lo que otorga cierto carácter peculiar a estas imagenes en las que he intentado, no se muy bien si lo he conseguido,conseguir unas imagenes de mucha intensidad en las que el entorno compartiera protagonismo con la modelo. La captura, fácil en un día ligeramente nublado en el que las sombras en principio no iban a robar protagonismo a la imagen, la he reducido a una exposición basada en una medición limitada a la zona mas iluminada (a excepción de las luces puras) y sobreexpuesta entre un paso y medio y dos pasos según tomas, para después en ACR recuperar blancos muy subidos mientras aseguraba detalle en las sombras.

Los postprocesados en Ps varían entre fotografías, cada imagen está "revelada" con unos parámetros diferentes para conseguir efectos distintos y van desde la sencillez de un desaturado parcial y la aplicación de un filtro cálido de la primera fotografía, hasta los casi treinta pasos de la toma que hicimos "bajo techo" en el Batán. revelados complejos que en mi opinión ofrecen buenos resultados.





En esta otra imagen ha intentado conseguir un efecto a caballo entre
la Fotografía "Lomo" (en sus tonalidades) y un efecto dramático con
la iluminación selectiva para acercarme a una imagen con cierto aire retro.




En el momento de la captura se "abrió un poco el cielo" y las nubes dejaron pasar por unos instantes unos rayos de luz que inciden sobre la chica destacándola ligeramente del fondo.


                                                                                            
  




















  Estas dos fotografías tienen un procesado mucho mas complejo, hasta treinta pasos entre ACR y Ps.
Primero un revelado básico en ACR, temperatura de color, recuperación de blancos, negros, intensidad, saturación, corrección de lente, ruido y a través del pincel corrector, subexposición del fondo y sobreexposición de la modelo. Mas tarde en Ps, para dar mas énfasis a la nubosidad del cielo en la toma, multiplicación a través de un mascara de ese cielo, y algunos pasos con niveles, desaturación parcial y selectiva de colores...



En esta otra imagen se puede advertir un procesado un poco mas duro, un contraste mas intenso, un desaturado parcial y sobre todo el filtro cálido para intentar crear una atmósfera diferente.

Por último, una escena en la que mi intención era que compartieran protagonismo tanto la modelo como el escenario en el que se encuentra puesto que me parecía un lugar con unas texturas muy interesantes que podrían potenciar la imagen y darle fuerza.



En esta última imagen me gustaría destacar la corrección selectiva de la iluminación (por medio del pincel corrector subexponiendo el fondo ligeramente y sobreexponiendo a la modelo) para destacar a la modelo sobre el fondo sin perder totalmente la importancia éste para dar fuerza a la composición.

Con esta serie he querido experimentar sobre el retrato femenino y probar, en condiciones similares de iluminación, las diferentes opciones que posee el fotógrafo a la hora de revelar y procesar las imagenes para conseguir fotografías diferentes y originales.
Espero que os haya gustado esta entrada, el próximo post...en unos días...
Saludos.

man_castillo

mancastillocollado@gmil.com

                                                                     

miércoles, 15 de enero de 2014

Multiple exposición (en una sola toma) "Devil inside"

Ansel Adams, uno de los mas grandes fotógrafos de la historia, dijo en una ocasión que ”No tomas una fotografía. La haces.", este concepto, en mi opinión, es uno de los pilares en los que se apoya la Fotografía artística (la que no representa cumpleaños o fiestas de fin de curso, y a veces esta también), la capacidad del fotógrafo para salir de la realidad y construir una realidad alternativa o diferente, realizar la fotografía y no sólo disparar la cámara.

Una de las técnicas que mas libertad creativa nos ofrecen a la hora de realizar nuestras fotografías es la de la múltiple exposición, tanto en una toma como en varias. Uno de los primeros fotógrafos en utilizar esta técnica fue Man Ray a comienzos del siglo pasado consiguiendo impactantes imagenes surrealistas de una gran fuerza estética.

Esta técnica se puede acometer desde dos variantes, una de ellas heredera de la técnica de la doble exposición de la era analógica de la fotografía que, en las antiguas cámaras de película de 35mm se realizaba disparando varias veces sobre la misma parte de película (liberando el carrete que se rebobinaba después de un primer disparo para volver a  exponer la película previamente disparada ya) con lo que se conseguían imagenes superpuestas, en ocasiones solapadas en transparencias, que modificaban completamente la imagen original. es esta una técnica en la que con apenas luz ambiente y una exposición muy larga (entre 8 y 30 segundos como media, a veces mas) y unos disparos a mano de un flash o una linterna, congelamos  varios momentos diferentes en la misma fotografía, creando así interesantes efectos transparentes.

En esta ocasión, el tema semanal para el taller BTK que nos planteaba l compañero kainpower era, precisamente, doble exposición en una sola toma y mi propuesta, una imagen tenebrosa que, titulada "Devil inside (Lo que oculta mi mirada)" , pudiera transmitir, o al menos es lo que me proponía, cierto desasosiego.

Para crear esta imagen, preparé la cámara en un trípode (esto es fundamental en esta técnica) y con muy poca luz ambiente, me decidía por una apertura muy cerrada  f/13 puesto que la velocidad debía ser muy lenta, 8 segundos y ante esta velocidad por poca luz ambiente que se tenga, se obtienen fotos muy iluminadas (que es precisamente lo contrario que yo pretendía).  el resto de los datos de captura son ISO 100 y una focal de 49 mm (de un Canon 18-55mm).

El modelo soy yo mismo (no encontré voluntarios para posar de esta guisa) y me situé frente a la cámara poniendo mi mirada mas fiera, en la coronilla llevaba recogido un pasamontañas de lycra que lleva impresa una calavera y que tras contar 4 segundos me bajé de un tirón para seguir posando otros 4 segundos mas.

Básicamente este es el procedimiento para conseguir la doble exposición, tras esto hay un revelado y procesado en Ps para dar un aire mas tenebroso a la imagen, con un desaturado parcial, niveles, una textura para el fondo, un par de filtros de desenfoque y un filtro cálido al 33%. Este es el resultado:


Aunque no es una composición perfecta desde el punto de vista de la exposición múltiple, se puede apreciar como se superponen dos imagenes en una con cierto grado de transparencia, como se puede observar, la técnica de la múltiple exposición ofrece posibilidades creativas  increíbles.

Esta técnica, casi artesanal pese a usar nuestros sofisticados equipos digitales, recrea en cierto modo, esa  simplicidad de la fotografía química aunque, como en esta, no nos permite tener un control total sobre nuestra toma.
Naturalmente en la actualidad, en lo que podríamos llamar ya no la era digital de la fotografía, sino casi podríamos decir, la era del Photoshop, hay otra técnica alternativa para lograr resultados similares (incluso mejores) pero con mucha mas facilidad y, lo que es mas importante, con absoluto control de nuestra fotografía, es la técnica de la exposición múltiple en varias tomas (montadas posteriormente con Ps u otros programas de retoque y procesado similares), tema del que nos ocuparemos en el próximo post.

Espero que os haya interesado esta explicación, hasta pronto, un saludo.

man_castillo


martes, 15 de octubre de 2013

"Mas Frágil que una gota de agua..." (una gota de agua en una burbuja de jabón,,,) BTK 3.0 Ed.2013 semana 6: Tema: Fragilidad.

En alguna ocasión todos nos hemos sorprendido al contemplar fotografías sobre gotas de agua que el fotógrafo ha congelado mientras salpicaban al impactar sobre un líquido, tomas a veces de imagenes que parecen imposibles. Las fotografías sobre gotas son un tema recurrente que, bastante agradecido si conseguimos la toma adecuada, en alguna ocasión a lo largo del periodo de aprendizaje del fotógrafo todos hemos intentado realizar.

Fred McCullin dijo en una ocasión que "la Fotografía no puede cambiar la realidad, pero si mostrarla", y en este caso, lo importante no es ya tanto la interpretación subjetiva de la realidad por el fotógrafo si no tratar de mostrar la increíble realidad sin mas adornos.

En esta ocasión y bajo el tema semanal de la BTK "Fragilidad" que nos planteó Kainpower mi propuesta ha sido una imagen de una gota de agua salpicando pero, tras ver la interpretación espléndida del fotógrafo amigo Marc Cuscó de la gota en versión "multicolor", dándole una vuelta de tuerca al concepto de fragilidad basado en la gota, la idea final ha sido una gota de agua dentro de una pompa de jabón.

La cuestión suscitaba algunas dificultades técnicas precisamente por la extrema fragilidad de la burbuja de jabón, pero convencido de que era posible pues había observado en alguna ocasión que las gotas de agua pueden atravesar las burbujas sin explotarlas, decidí intentar ese reto, el resultado no ha sido estéticamente perfecto, pero he podido conseguir la ansiada foto que, al final, es lo que importa.

Normalmente los preparativos para realizar una toma de gotas de agua se suelen reducir a una bandeja mas o menos profunda llena de agua y un "cuentagotas" (además de los elementos técnicos habituales comunes a la mayoría de fotos de estudio o de producto, lamparas o flashes, reflectores, cámara...). pero en este caso, para conseguir además el plus de la burbuja atravesada por el agua, se necesitaba también agua jabonosa y una pajita o cañita de refresco, con la que, untándola de agua jabonosa y soplando a través de ella crear la burbuja sobre la superficie del agua.



Una de las claves para conseguir una buena foto siempre es un buen enfoque, algo que en este tipo de fotografías es mas complejo por el escaso contraste que suele presentar el agua en el recipiente, apara ello usé una cinta métrica de costura, la situé cruzando por el punto en el que quería dejar caer la gota en la burbuja y enfoqué sobre ella en modo manual fijando así el enfoque.

 Detalle de la cinta métrica en la que enfocar con mas precisión




Calculé la exposición que iba a iluminar con dos flashes esclavos mediante fotocélula (el sistema mas barato que hay para usar múltiples flashes ) cuidando de apuntar el flash principal hacia el techo para que no incidiera su luz apenas sobre la bandeja de agua y solo sirviera para disparar los otros puntos de luz esclavos.

Un detalle muy importante: para realizar esta fotografía de gota  de agua es imprescindible o bien un cable disparador o bien un disparador remoto por infrarrojos, de lo contrario es practicamente imposible coordinar el disparo y la gota para que coincidan en el tiempo y podamos tomar nuestra foto. En mi caso opté por disparador remoto por comodidad (decir que en la Canon 1100D sólo funciona el disparador remoto si se acopla un grip con receptor Ir integrado, pues la cámara carece de este receptor).

Tras estos preparativos, me armé de paciencia, y comencé la sesión, algunos fotógrafos dedicados a este tipo de fotografía afirrnman que para un fotógrafo poco iniciado en este tema de la gota, suelen ser necesarios entre 120 y 200 disparos aprox. para conseguir la imagen nítida de la gota, y que con la practica con entre 30 y 50 deberían ser suficientes. Decir que yo tuve suerte, en apenas 25 o 30 disparos conseguí captar la gota salpicando dentro de la burbuja.

Con la pajita de refresco, soplando, hice una burbuja que ayudandome de la misma pajita coloqué en el centro del recipiente y comencé el proceso de disparo y goteo.
Mi imagen tiene un fallo que solo conseguí paliar a medias con el procesado en Ps y que es necesario comentar para evitar que otros fotógrafos que se animen a intentar este tipo de fotos lo puedan cometer, el recipiente que utilicé tenía una textura muy pronunciada con lo que, al tener muy poca profundidad (un par de centímetros de agua apenas) emborronó con aparente falta de nitidez el resto del encuadre, afeando así la imagen final, es necesario un recipiente sin textura a ser posible completamente liso.

A continuación la imagen final:



Toma: Canon Eos 1100D con objetivo  canon 75-300 Ef-S f/4-5.6 con una distancia focal de 210 mm una apertura de f/8 a 1/200 y  1600 ISO

El procesado tan solo tiene una ligera corrección de niveles, recuperación de zonas sobreexpuestas en ACR y un filtro cálido al 32% para compensar los tonos demasiado fríos que resultaron. Lo dicho, estéticamente no es el mejor resultado pero no me negareis que la gota en el interior de una burbuja no es impactante.

La próxima semana una foto en B/N, tema semanal propuesto por el compañero Mario Pellitero, justo ganador de esta semana con su estupenda fotografía sobre fragilidad.
Saludos.

domingo, 6 de octubre de 2013

PRACTICA: Realizando una foto dramatica ("Tormenta inminente" . BTK 3.0 Ed.2013 semana 5 Tema: "Cielos")

El Fotógrafo Arnold Newman, padre del "retrato ambiental", dijo en una ocasión "La Fotografía, como sabemos, no es algo verdadero. Es una ilusión de la realidad con la cual nosotros creamos nuestro propio mundo privado". La Fotografía no encierra la verdad absoluta, el fotógrafo, a poco que desee dejar su impronta personal en la imagen que nos muestra, nos dará una visión subjetiva de esa realidad que modifica a través de los parámetros de su toma o de su revelado posterior.

En ocasiones, no encontramos en la realidad, en la naturaleza si no el punto de partida para crear, realmente para construir, una imagen que tenemos en la imaginación, en ocasiones, hasta antes de verla verdaderamente a través del objetivo de nuestra cámara. Esta visión personal que queremos crear no es mas que una modificación de la realidad tal y como la percibimos y la fotografía final, la imagen a mostrar, no es otra cosa que el intento de enseñar a los demás que sensaciones nos produce contemplar una imagen determinada, es en la experiencia del fotógrafo donde está la clave para conseguir esa foto especial, la imagen impactante que no nos deja indiferente, eso, en mi opinión, es lo que andamos buscando la mayoría de los fotógrafos, con mayor o menor acierto y es, en definitiva, el significado del proceso de aprendizaje constante que supone la Fotografía.

Cuando Lydiia nos propuso como tema semanal para la BTK, "Cielos", en mi cabeza se formó una imagen que, aprovechando los espectaculares cielos tormentosos de estos días, diera con una foto espectacular. Ya había construido mentalmente mi foto y tan sólo había que realizarla.
La primera idea que se me ocurrió era un cielo muy nuboso reflejado en el agua del pantano de El Regajo, si mantenía el horizonte justo en el centro del encuadre, tendría un "doble cielo " protagonista, la idea en principio no me pareció mal. Al tratar de realizar la foto me encontré con la primera dificultad, sin un buen filtro polarizador regulable, el reflejo no me servía pues estaba demasiado difuminado y perdía el efecto que pretendía mostrar.

Descartada esa idea primera y también el recurrente tema de los cielos estrellados nocturnos por obvias razones, salí a buscar el encuadre adecuado que permitiera enmarcar los impresionantes cielos encapotados, lo encontré dando un paseo por los alrededores de mi casa (ventajas de vivir en un entorno natural privilegiado).

Esta es la captura en mi Canon 1100D con el objetivo 18-55   f/3.5 - 5.6. Con una distancia focal de 27mm y una velocidad de 1/250 a f/4.5. Sobreexponiendo las luces altas un par de pasos para tener toda la información en las sombras (luego las luces reventadas se pueden recuperar en ACR facilmente si no nos pasamos mas de dos pasos), se puede apreciar fácilmente la sobreexposición.


Tras el revelado en Adobe Camera Raw en el que recuperé los blancos quemados (no hizo falta exponer mas la imagen por la sobreexposición de captura), ajustar los negros, el contraste y la saturación, (también tuve que repasar el ruido y la intensidad), con el pincel corrector de ACR, ajusté la exposición de la zona inferior derecha y concluí el revelado desaturando parcialmente toda la imagen pues no me gustaba la dominante azul (esto se puede corregir también mas facilmente ajustando en ACR la temperatura de color de la toma).
Tras el revelado en Camera Raw, la foto quedó así:


Se puede apreciar varias diferencias, sobre todo, al aumentar contraste y  reducir la saturación de verdes y amarillos, se otorga mucho mas protagonismo al cielo (que es de lo que se trataba). Pero todavía no se trataba de la imagen final que quería mostrar, necesitaba, dado el tema semanal, conseguir un cielo mas dramático, mas...espectacular. Para ello se me ocurrieron varias opciones recurrentes, por un lado añadir mas nubes de tormenta, algo fácil pues había disparado varias tomas unos minutos después en los alrededores, así pues, tomé "prestadas" algunas nubes de otras fotos y con cuidado las añadí a esta toma, procurando que nos se notara la diferencia (disponiéndolas en capas diferentes, usando la herramienta borrador con mucho cuidado, difuminando los bordes de las zonas tratadas, ajustando con cierta exactitud brillo y contraste para que quedaran bien integradas en la imagen yacente...), por otra parte, "multipliqué" el cielo en una capa de ajuste y le dí aun mas contraste y por último le añadí a toda la imagen un filtro cálido para realzar un poco la zona inferior (y contribuir aun mas a eliminar la dominante azulada).

Este es el resultado final, creo que se puede percibir un cielo mucho mas dramático que en la toma inicial:


Para terminar la edición de la foto decidí otorgar cierto efecto "Orton" al tratarse de una imagen de paisaje, así pues le apliqué un filtro de desenfoque Gaussiano, le aumenté la luminosidad, el brillo y jugando un poco con una capa de ajustes niveles, le di esa especie de "halo" que tiene la imagen, como un desenfoque en el que no se pierde el detalle de los diferentes elementos de la composición, creo que, finalmente, encontré algo muy cercano a lo que andaba buscando.

Saludos y hasta la próxima semana.
man_castillo.